Hallo. Mein Name ist James Gray.
Ich bin der Ko-Autor und Regisseur des Films Ad Astra,
den ihr vermutlich schon gesehen habt.
Und falls nicht und ihr mir jetzt zuhört,
nun, dann ist das eine erhebliche Ungerechtigkeit.
Aber ich nehme an, ihr habt ihn schon gesehen, also...
Und seid bereit, mir beim Schwafeln zuzuhören.
Also schwafele ich jetzt mal.
Es ist eigenartig das Fox Logo zu Beginn des Films zu sehen.
Der Film wurde von einer Firma namens New Regency gemacht,
die unter der Leitung von Arnon Milchan steht,
aber sollte unter 20th Century Fox veröffentlicht werden.
Und zur Zeit, als der Film fertiggestellt wurde,
ist 20th Century Fox von Disney gekauft worden.
Ich hätte nie gedacht, dass der Film von Disney veröffentlichen wird.
Ihr werdet am Anfang bemerken, wenn der Text erscheint,
dass es sehr leise ist und man hört dieses eigenartige Geräusch.
Klingt wie ein Ultraschall bei Babys.
Eigentlich ist es die bearbeitete Stimme von Tommy Lee Jones,
der immer wieder sagt: "Ich liebe dich, mein Sohn."
Und diese Wiederholungen, die man hört, wurden von den Leuten
der Tonabteilung bei Skywalker gemacht.
Von drei Leuten, um genau zu sein.
Ein Mann namens Tom Johnson und ein Anderer namens Gary Rydstrom
und ein anderer Mann namens Douglas Murray.
Wir alle entschieden, dass die wahre Bedeutung des Films,
die unentdeckte Welt der menschlichen Seele ist.
Und wir wollten so elementar wie möglich sein.
Und wir dachten, dass diese Aufnahmen, die in etwa so klangen...
Wie gesagt, wie ein Ultraschall. Das sollte das Kind in einem hervorrufen.
Manches davon... Natürlich ist nicht alles davon wortwörtlich zu nehmen.
Es soll eher unterbewusst wirken.
Und inwiefern das funktioniert, weiß man nicht.
Diese erste Einstellung war
die alleinige Idee unseres Kameramanns Hoyte Van Hoytema.
Und sein Grundgedanke war, durch die Sonne zu gehen,
um alles Sichtbare des Spektrum des Lichtes zu zeigen,
alle Farben des Spektrums.
Daher sieht man alle Farben,
während die Kamera weiter schwenkt und letztendlich die Erde zeigt.
Es ist merkwürdig, weil es nicht eingängig ist.
Macht man einen Science-Fiction-Film, geht es nur um das Weltall, oder?
Es geht um Weltraumfahrt.
Es geht nur um die Faszination
und die Magie und die Romantik der Raumfahrt.
Aber eigentlich, war meine Absicht, genau das Gegenteil zu machen.
Ich habe viele großartige Filme gesehen,
die in dieser Science-Fiction- Tradition gemacht wurden.
2001: Odyssee im Weltraum ist offensichtlich der Maßstab für alle,
die mit diesem Genre arbeiten.
Aber es gibt natürlich noch andere Großartige.
Zum Beispiel Fritz Langs Metropolis,
der nicht im Weltall spielt, aber sicherlich Science-Fiction ist.
Dann gibt es Blade Runner,
der in einer Art Los Angeles der Zukunft spielt,
auch, wenn ich jetzt nicht das Jahr erwähne in dem Blade Runner spielt.
Aber die Grundidee ist...
Und natürlich noch die Werke von Steven Spielberg,
der so etwas macht wie E.T. - Der Außerirdische,
Unheimliche Begegnung der dritten Art oder A.I. - Künstliche Intelligenz.
Aber in fast allen Beispielen, und sicherlich in 2001
und in den Werken von Spielberg,
handeln die Filme hauptsächlich von außerirdischem Leben.
In 2001 - Odyssee im Weltraum zeigt Kubrick kein einziges Mal Aliens.
Er nutzt einen schwarzen Monolithen,
was im Grunde eine Art Sonde ist, die die Aliens schickten.
Aber man sieht die Aliens nicht. Sie bleiben eine Abstraktion.
Er umgeht also, ob wir es mit guten Aliens oder bösen Aliens zu tun haben.
Man kann diese Aliens deuten, wie man möchte.
Sind sie gut? Sind sie böse?
Ergibt uns damit sozusagen Götzen.
Aber man muss sich der Tatsache klar sein,
dass man alles Mögliche auf die Aliens projizieren kann
und die Bedeutung des Films ist bis ins Unendliche deutbar.
Spielberg hingegen, ist eine andere Geschichte.
Mit einem Film wie E.T. zum Beispiel,
umgeht er es auch, aber auf eine andere Weise.
Der Film nimmt sich einer metaphorischen Bedeutung an,
da der Film nicht von der Suche nach Aliens handelt.
Der Film handelt eigentlich von einem Jungen und seiner Einsamkeit
und, dass E. T. eher wie sein imaginärer Freund ist.
Der Film ähnelt eher einer Fabel
und das macht er auf eine brillante Art und Weise.
Mit diesem Wissen,
das ich hatte über frühere Science-Fiction-Filme,
war es meine Absicht, und die meines Ko-Autors Ethan Gross,
den ich seit der Filmschule kannte
und ein sehr guter Freund von mir ist und wir ähnliche Geschmäcker haben...
War es unsere Absicht
einen Film zu machen, der von der Aussage
von Arthur C. Clarke handelt,
dem Ko-Autor von 2001 und einem brillanten Mann.
Er sagte: "Entweder sind wir im Universum allein oder nicht.
"Und beides ist zu gleichen Teilen furchteinflößend."
Also wie gesagt, haben wir viele Filme über Aliens gesehen,
aber nie einen Film, in dem wir alleine sind.
In dem es heißt: "Was ist wenn da draußen nichts ist?
"Was ist wenn alles was zählt, wir sind?"
Nun, das wirft grundlegende, psychologische Fragen auf...
Grundlegende Fragen zu unserer Identität,
wer wir sind und wie wir zur Erde stehen.
Und wir fanden, dass wir nie einen Film sahen, der das Gebiet abdeckte.
Wenn man sich heutzutage die Nachrichten ansieht,
gibt es eine ganze Reihe an Berichten, die sagen:
"Es gibt diesen Exoplaneten, der ist genau richtig entfernt zur Sonne.
"Dort könnte es Leben geben. Es könnte hier Leben geben."
"Es könnte dort Leben geben."
Und die Wahrheit ist, dass das nicht sehr interessant ist.
Denn, wenn das Leben ein Organismus ist,
was im Grunde ein Einzeller-Organismus ist,
kann man sich nicht mit einem Pantoffeltierchen unterhalten, oder?
Man kann sich auch nicht mit einer Lebensform unterhalten,
die soweit fortgeschritten ist, dass man keine Verbindung aufbauen kann.
Also selbst wenn wir morgen
eine außerirdische Lebensform entdecken, die intelligenter ist,
aber wir nicht mit ihr kommunizieren können, macht das keinen Unterschied.
Zum einen wird man nicht zu Lebzeiten eines Menschen dort hinreisen können.
Zum Anderen könnten wir nicht mit ihnen kommunizieren,
also was bringt es uns?
Wir sind alleine im Universum und dieser Gedanke, diese Grundidee
stand über jeder kreativen Entscheidung in Ad Astra.
Diese Szene, wie er auf die Erde zurückfällt,
sollte die Figur Roy McBride vorstellen,
eine Person, die die traditionellen maskulinen Werte verkörpert.
"Sein Puls steigt nicht über 80", sagen uns die Generals zum Beispiel.
Was bedeutet das, ein Mann zu sein?
Was ist diese Vorstellung der Männlichkeit, die wir hatten
und die wir hoffentlich loswerden können.
Es ist sehr schädlich, seine Gefühle innezuhalten,
nach Außen zu schauen, nach Götzen zu suchen.
Das steht in Verbindung mit der Aussage, die ich erwähnte,
die Arthur C. Clarke machte,
darüber, dass es furchteinflößend wäre, wenn wir alleine wären.
Dass wir nicht nur unsere Identität im Inneren konfrontieren müssen,
sondern auch unsere Verbindung zur Erde. Denn es gibt keinen Plan
den wir haben,
eine Kolonie irgendwo aufzubauen, auf irgendeinem Exoplaneten,
der dieselben Ressourcen hat
und dieselbe Unterstützung, die die Erde uns gibt.
Wir dachten, das stand alles im Zusammenhang
und ich wollte den Film mit einem Knall beginnen lassen.
In diesem Fall sogar wörtlich.
Und, dass die Bestrebungen seinen Vaters in einer Weise Roy trafen.
Es sollte dieses große Baukonstrukt geben,
diesen großen Turm, der unsere Ambitionen
als Spezies darstellen sollte, Kontakt zu suchen. Aber was bedeutet das?
Und Roy sollte auf die Erde zurück fallen, um zu überleben.
Wir fanden, das war der entsprechend perfekte Ansatz
für die Bedeutung des Films als Ganzes.
Das zu Drehen war wundervoll.
Ich bin nicht Fallschirm gesprungen, ich habe zu viel Angst.
Aber wir hatten diesen sagenhaften Typen namens Travis.
Er war Brads Stunt-Double,
aber machte auch die Fallschirmsprünge und ist absolut furchtlos.
Und er trug eine GoPro-Kamera
und drehte all dieses Bildmaterial für uns, wie er fiel
und ich bewundere seinen Mut sehr.
Das hat sie immerzu mir gesagt.
Eine weitere Sache, die man lernt...
Wenn man Recherche zu Astronauten macht, findet man heraus,
dass Astronauten ein gutes Gespür haben für die Erde bei niedriger Höhe,
wenn sie 320 Kilometer über der Erdoberfläche sind.
Wenn sie die Erde ganz sehen,
steht ihr Seelenzustand nicht in Frage.
Sie sind noch verankert und wissen noch, wer wir als Spezies sind.
Aber, was man herausfand, ist, dass die Apollo-Astronauten,
die Leute, die auf dem Mond waren, hochschauten und die Erde
als einen eigenen Himmelskörper gesehen haben,
inmitten einem Meer aus Himmelskörpern und einer weiten Dunkelheit,
dass deren Geisteshaltung plötzlich eine ganz andere war
und eine Einsamkeit macht sich bemerkt.
Also entschieden wir,
dass wir diesen Mann, Roy McBride,
als sehr einsam darstellen.
Aber somit ist er der perfekte Astronaut für das System.
Denn sie brauchen Einzelgänger,
Leute, die nicht unbedingt ihr Leben hinterfragen,
um im weiten All erfolgreich zu sein.
Ich habe einen Bericht gelesen, über Astronauten,
die sie für eine Mars Mission zu rekrutieren versuchten,
bei dem Menschen in engen Umgebungen
nebeneinander für eineinhalb Jahre sind.
Die Meisten von uns... Ich weiß zumindest,
dass, so sehr ich meine Kinderliebe, reicht mir ein Tag mit ihnen
und ich würde mir die Haare ausreißen,
wenn wir in engen Umgebungen wären.
Ich habe schon einen Tag mit ihnen im Auto verbracht.
Aber stellt man sich vor, dass es eineinhalb Jahre sind,
muss es schon ein ganz besonderer Mensch sein.
Man bräuchte jemanden mit Tendenz zu
schizoiden Persönlichkeitsstörungen.
Fast eine Form von Autismus,
oder dem Asperger-Syndrom.
Menschen, die sehr gut darin sind, allein zu sein,
sehr gut, ohne menschlichen Kontakt zu sein.
Einfach sehr gut mit sich alleine klarkommen,
mit ihren eigenen Aufgaben,
Experimenten und Studiengebieten.
Also dachten wir: "Das ist interessant."
"Wir können einen Einzelgänger erforschen.
"Wir können jemanden erforschen, der eine Persönlichkeitsstörung hat,
"und können ihn mit seinen Gefühlen konfrontieren
"und können ihn weiterbringen, als je einen Mensch zuvor."
Wenn man sich zum Beispiel Interviews mit Neil Armstrong ansieht,
der ohne Frage einer der bemerkenswerteren
Menschen unserer Zeitgeschichte ist,
weiß man, dass die Mondlandung, die Landung von Apollo 11,
wahrscheinlich... Nein, nicht nur "wahrscheinlich",
sondern definitiv die bisher größte Errungenschaft
der Menschheit ist.
Aber, wenn man ihm zuhört bei seiner ersten Pressekonferenz, die ergab,
nachdem er aus der Quarantäne nach der Mondlandung kam,
redet er wie ein Ingenieur.
"Das System hatte
"183 Gramm pro Zentimeter an Sauerstoff."
Ersteht nicht in Verbindung
mit der eher metaphysischen Ebene, was es bedeutet
oder was es bedeutet hat, der erste Mensch zu sein,
der seinen Fuß auf einen anderen Himmelskörper setzte.
Ich denke, das hat die NASA absichtlich gemacht,
dass Neil Armstrong die perfekte Person für diese Reise war,
der perfekte Astronaut, und doch
war er nicht in der Lage, von der Mondladung
als höhere Bedeutung zu berichten.
Wir fanden, dieser Widerspruch
war perfekt für eine Figur, die zum Neptun reisen musste.
Als ich zum ersten Mal Brad Pitt traf, haben er und seine Firma Plan B,
den Film produziert, den ich davor machte,
Die versunkene Stadt Z, oder wenn man es genau nehmen will,
im Original, sagt man: "Lost City of Zed".
Auf jeden Fall, hat sich Brad mit mir getroffen.
Er hat Die versunkene Stadt Z gesehen und mochte den Film sehr
und er fragte mich, was ich machen wollen würde.
Und ich sagte: "Ich habe dieses Drehbuch."
Ich schrieb es vor Die versunkene Stadt Z.
Und auf seltsame Art, waren sie verbunden, oder sicherlich
wirkten sie fast wie ein Filmpaar,
mit der Erforschung der Gedanken der Erforschung.
Einer ist am Amazonas, einer ist im All.
Aber beides sind Vater-Sohn-Geschichten.
Und Brad war angetan von allem, was ich gerade alles erklärte.
Die Idee mit der schizoiden Persönlichkeitsstörung,
eine Person, die zuerst nicht schaffte,
sich der Beziehung zu seinem Vater zu stellen
und was das bedeutete.
Und die traditionellen männlichen Werte.
In seinem Inneren bleiben, Gefühle zurückhalten,
"Puls nicht über 80", sich nicht offenbaren,
sei ein Mann.
Das ist sehr schädlich. Und was bedeutet das?
Was bedeutet das für seine Identität und für die Geschichte?
Und wie kommen wir darüber hinweg?
Wie kommen wir in der heutigen Welt darüber hinweg,
in der Männer Männersein müssen? Es ist äußerst schädlich,
wenn man seine Gefühle nicht zulässt, sie offen anspricht.
Frauen sind eher dazu ermutigt das zu tun.
Ich sehe das bei meiner Tochter und meinen Söhnen.
Meine Tochter wird ermutigt, sich emotional auszudrücken,
meine Söhne nicht.
Ich denke, das ist eine verheerende Sache
und schreckliche Sache, die wir unseren Jungs beibringen.
Das war alles Teil des Hintergrundes.
Die Idee von Vater und Sohn,
die der Vater dem Sohn im Grunde eingeprägt hat,
eine Notwendigkeit, seine Gefühle komplett unter Kontrolle zu halten.
Um der Experte zu sein, um der perfekte Astronaut zu sein.
Und natürlich findet der Vater,
indem er das macht, es tolerierbar und akzeptabel,
seinen Sohn für größere Vorhaben zu verlassen.
Roy, das ist eine Nachricht von deinem Vater.
Brad und ich haben besprochen, wer seinen Vater spielen würde.
Und das war keine leicht zu beantwortende Frage.
In einer Hinsicht,
braucht man einen Schauspieler, mit gewissem mythischen Ausmaß.
Was bedeutet, man muss wissen, wer die Person ist.
Die Person muss berühmt sein.
Die Person muss eine Persönlichkeit haben,
die Person muss eine glaubwürdige Beziehung haben,
oder eine biologische Beziehung zu Brad haben.
Muss eines gewissen Alters sein.
Und dann wurde das Feld schon kleiner,
weil diese Schauspieler nicht leicht zu finden sind.
Und ich habe Tommy Lee Jones immer gemocht.
Ich weiß, wie ich ihn erstmals sah in...
Obwohl er zuvor schon viele Filme gemacht hatte,
wurde ich erstmals auf ihn aufmerksam in Coal Miner's Daughter.
Wie er Doolittle spielte,
den Ehemann von Lynn, war einfach erstaunlich.
Er und Sissy Spacek sind beide brillant in dem Film
und es ist ein wunderschöner Film. Ich mag ihn sehr.
Aber Tommy Lees Arbeit darin ist so schön und so sensibel und so bewusst.
Und natürlich
habe ich dann geschaut, was Tommy Lee vorher noch so gemacht hatte.
Erst kleinere Rollen Anfang der 70er.
Und dann Executioner's Song.
Und ich mochte immer seine sehr bissige, geradlinige Persönlichkeit.
Wenn man Tommy Lee persönlich trifft,
ist er ein fesselnder, brillanter Mann.
Er ist nicht sehr redselig
und man könnte das fälschlicherweise als Kälte deuten.
Aber Tommy Lee ist keine kalte Person.
Tommy Lee ist schrecklich klug und lässt Falschaussagen nicht stehen
und ist äußerst bewusst und sensibel
und will wirklich gute Arbeit abliefern,
alles, was man von einem Schauspieler verlangen kann
und ich komme sehr gut mit ihm klar.
Das Casting, wie ich finde,
wurde schnell recht einfach, da es nur eine handvoll Schauspieler gab,
die dann noch eine mythische Eigenschaft besaßen.
Und aus dieser kleinen Gruppe, dachte ich sofort,
dass Tommy Lee perfekt wäre.
Wegen dieser geradlinigen Art.
Und man konnte sehen, dass er der Typ Mensch wäre,
der seinen Sohn für prahlerische Gründe verlassen würde.
Wegzugehen und das All erkunden und große Entdeckungen zu machen.
Donald Sutherland, ein weiterer Schauspieler, den ich immer mochte...
Ich mochte ihn seit jeher,
als ich als Kind den Film Eine ganz normale Familie sah,
in dem er wirklich außerordentlich ist,
und ihn dann natürlich woanders wiedergesehen habe,
in M.A.S.H. und einem schönen Film namens Klute,
den man gesehen haben muss. Ein fantastischer Film von 1971.
Aber Donald war in so vielen Filmen.
Ich denke nicht,
dass Donald als Brads Vater richtig gewesen wäre, weil...
Ich glaube, da gibt es nicht diese harte, gemeine Seite.
Ich glaube Donald hat Gefahr. Aber er hat auch eine große weiche Seite.
Deshalb dachte ich, Donald wäre perfekt für
die Rolle Pruitt, die als Elternteil und Vorgesetzter fungiert,
sprich als Vaterfigur.
Während der Film voranschreitet, möchte man meinen:
"Die Vaterfigur bleibt uns bis zum Ende des Films erhalten.
"Er wird bei Brad bleiben. Er wird ihm den Weg zeigen."
Das bringt der Film hoffentlich rüber.
Und hoffentlich wird einem dieser Gedanke dann auch wieder genommen.
Man realisiert: "Ja, er ist eine Vaterfigur,
"aber eine unerfolgreiche Vaterfigur." Ähnlich wie Tommy Lee Jones es war.
Und, dass man sich an Erzväter wendet,
um Antworten zu bekommen...
Metaphorisch gesehen funktioniert das nicht.
Wir müssen in uns selber suchen.
Ich habe versprochen, immer ehrlich zu sein.
Die Leute hatten ein Casting, die Männer wurden ausgesucht,
nicht nur mit dem Hintergedanken an ihre größere Rolle,
sondern auch, was sie vermitteln, wenn sie im Bild sind.
Und Tommy Lee hat, wenn er im Bild ist, ein unsentimentales Auftreten.
Wogegen Donald... Nicht sentimental, ganz und gar nicht,
aber sicherlich eine größere Verletzlichkeit zeigt.
Daher wurde der Film so besetzt, wie er besetzt wurde.
Es kann auch ein Riesenerfolg sein,
wenn Regisseure, die mutig und intelligenter sind als ich,
entgegen dieser klassischen Typen Rollen besetzen. Das klappt auch gut.
Zum Beispiel gibt es einen wunderbaren Film von Bob Rafelson,
der heißt: Der König von Marvin Gardens,
in dem Jack Nicholson und Bruce Dern Brüder spielen.
Und man denkt, dass Jack Nicholson den aufgeschlossenen Typen spielt,
der, der viele Dinge am Laufen hat
und sehr gesprächig ist und die Frauen lieben ihn
und dass Bruce Dern eher introvertiert ist.
Nun, sie haben sich in letzter Sekunde entschieden, die Rollen zu tauschen,
und das Ergebnis ist recht erstaunlich.
Aber hier wollte ich nicht solche Spielchen machen,
weil Tommy Lee Jones nicht so häufig im Film vorkommt.
Er ist offensichtlich nur am Ende des Films zu sehen
und Donald ist nur am Anfang zu sehen.
Also hat man nicht viel Zeit, diese Charaktermuster zu entwickeln.
Manche sagen dazu Klischee, aber ich nenne es Muster.
Man hat nicht viel Zeit.
Was man also machen kann, ist, nach dem klassischen Prinzip zu besetzen
und dann die präzise Eigenschaft des Verhaltens zu finden,
das Detail, das dem Ganzen mehr Resonanz verschafft.
Man sieht hier das Mondfahrzeug,
welches eine wirklich lächerliche Tapete hat.
Es war unsere Absicht, zu zeigen,
dass Raumfahrten zum Mond in naher Zukunft
schon weiterentwickelt sind.
Das wäre ein sogar Gebiet für eine Art Weltall-Tourismus.
Es gibt also kommerzielle Wege, zum Mond zu reisen.
Man sieht hier auch Schleichwerbung der Virgin Atlantic,
die sehr glücklich und stolz waren, mitzumachen.
Das war toll. Man sieht auch Lockheed- Martin-Schriftzüge an einigen Stellen.
Das war unsere Absicht, eine Art Erdung
den Drehorten und Raumschiffen zu geben.
Und hier fragt er nach einer Decke und einem Kissen.
Das kostet ihn über $100.
Eine Art zu sagen: "Die Vergangenheit ist die Gegenwart in der Zukunft."
Dass die Menschheit
vielleicht technologisch weiterentwickelt ist
in den nächsten 50 oder 100 Jahren... Aber die Menschen sich nicht ändern.
Also wollen wir uns erinnern und auch euch,
dass wir zwar zum Mond reisen können,
aber man immer noch für sein Kissen zahlen muss.
Das ist eine meiner Lieblingsstellen im Film 2001.
Sie entdecken einen schwarzen Monolithen,
was die größte Entdeckung der Wissenschaft sein könnte
und sie posieren für ein Foto
und der Mann, der das Foto macht,
gestikuliert, dass sie in den Bildausschnitt rutschen müssen.
Das menschliche Verhalten ändert sich nicht.
Wenn man einen Science-Fiction-Film macht,
fragt man sich: "Okay,
"was bedeutet es, in die Zukunft zu blicken?"
Schaut man in die Zukunft, sind die meisten unserer Antworten falsch.
Die meisten Vorhersagen, die wir machen, sind falsch.
Aber wir sind verblüfft von Menschen, wie Leonardo da Vinci, oder?
Der, wie wir sagen: "Das erste Flugzeug erfunden hat."
Das hat er nicht. Weil nichts, was er zeichnete, funktioniert hätte.
Erkannte das Bernoulli-Prinzip nicht.
Das bedeutet nicht, dass Leonardo da Vinci nicht brillant war,
aber nur sehr wenig, was wir vorhersagen, wird wahr.
Wenn man davon ausgeht,
wenn wir wissen, dass
jede Vorhersage, die wir über den Mond treffen
und wie Erin 50 oder 100 Jahren aussehen wird, falsch sein wird...
Daher orientierten wir uns einfach an der Gegenwart.
Oder man blickt 50 oder 100 Jahre zurück
und schaut, was sich verändert hat.
Wie hat sich die Kleidung in den letzten 50 bis 100 Jahren verändert.
Für Männer nicht besonders.
Männer trugen Anzüge im Jahr 1950 oder 1960.
Männer werden wahrscheinlich eine Art Anzug in 2050 oder 2060 tragen.
Stifte, mit denen wir schreiben,
die schwarzen Filzstifte von Sharpie, die gibt es seit 1964.
Und in irgendeiner Art gab es die auch im Jahr 1870, denke ich.
Also werden die Leute wohl weiter mit Sharpies arbeiten.
Fast-Food-Restaurants gab es vor 50 Jahren, das ist sicher.
Die wird es auch in 50 Jahren noch geben.
Wahrscheinlich sind sie sogar noch beliebter auf dem Mond,
weil es dort künstliches Fleisch gibt,
was wir auf dem Mond anbauen.
Wir versuchten also die Vergangenheit als Referenz herzunehmen.
Und ehrlich gesagt dachten wir, es sei lustig,
Fast-Food-Restaurants oder Ketten wie Applebee's auf dem Mond zu haben.
Und bei dem Mond fragten wir uns:
"Okay, wie schauen wir nach, wie der Mond aussehen wird?
"Nun, betrachten wir Teile der Erde,
"die es in den letzten 30 oder 40 Jahren noch nicht gab
"und betrachten sie gründlich.
"Nun, es gibt den großen Aufruf zu natürlichen Ressourcen
"und auf dem Mond gibt es etwas, das Helium-3 heißt.
"Wir wissen nicht, wie kommerzielle Anwendungsgebiete aussehen werden,
"aber es wird sie sicherlich geben.
"Es wird wahrscheinlich zwischen den Nationen etwas wie Mondverträge geben.
"Die Anzahl an Verträgen, die eingehalten werden, ist fast Null."
Ich glaube, die Anzahl an Verträgen,
die Amerikaner mit den Eingeborenen von Süd- und Nordamerika machten,
und später auch einhielten, ist tatsächlich Null, glaube ich.
Wenn man also davon ausgeht,
dass es eine Art internationaler Mondverträge geben wird
und es dort natürliche Ressourcen geben wird
und wie wir Menschen uns verhalten,
bedeutet das, dass es zu gleichen Teilen
Hudson News und Nathan's und Vegas Vic geben wird,
wie wir hier sehen...
Genauso wie Piraten, Leute, die sich die Ressourcen zu eigen machen,
weil es viel unbemanntes Land geben wird auf dem Mond.
Es wird dort keine Nationalstaaten geben, die behaupten, es gehört ihnen.
Und dennoch wird es äußerst wertvolle natürliche Ressourcen geben.
Wertgegenstände auf den Geländewagen.
Und wie kann man über Niemandsland auf dem Mond regieren?
Daher diese Szene.
Ich muss ehrlich sagen,
Vieles, was wir in dem Film machten, ist einfach daraus entstanden,
dass es zuvor technisch noch nicht möglich gewesen ist.
Wenn man Stanley Kubrick gefragt hätte:
"Wie sieht der Mond aus?
"Und kann man dort eine Verfolgung mit Mondwägen machen?"
Er war so brillant, er hätte wahrscheinlich einen Weg gefunden.
Aber wenn man sich 2001 ansieht,
ist seine Darstellung der Mondoberfläche nicht ganz korrekt.
Natürlich entschuldigen wir das,
weil ihm die Informationen dazu fehlten,
als er anfing, an dem Film zu arbeiten im Jahre 1964, '65, '66.
Er hat das Beste aus dem gemacht, was ihm zur Verfügung stand.
Aber wir wissen heutzutage, wie der Mond aussieht.
Wir haben großartiges 16mm-Bildmaterial des Mondes
von den Apollo-Astronauten.
Und wir haben es benutzt.
Viele der Oberflächen, die man hier sieht, sind echte Mondoberflächen.
Demnach ist es, auf eine Art,
eventuell die erste Szene, die auf dem Mond gedreht wurde,
direkt vor Ort.
Ich habe höchsten
Respekt und Anerkennung für die Leute bei Atomic Fiction,
der Firma, die uns geholfen hat, das zusammenzustellen.
Der Film war...
Diese Szene stellte sich aus einer Kombination an Aufnahmen zusammen.
Die Nahaufnahmen, die man hier sieht von Brad und Sean Blakemore,
der Schauspieler, der hier fährt,
von dem Lieutenant der erschossen wird und von Donald Sutherland,
wurden im Studio gedreht.
Und die Vogelperspektive der Fahrzeuge,
die echten Fahrzeuge drehten wir in der Wüste im Death Valley,
was verrückt war, da die Temperaturen bis auf 54 Grad stiegen
und die Stuntmänner ihre Anzüge stark belüften mussten,
was manchmal nicht funktionierte.
Und in manchen Einstellungen sind die Fahrzeuge komplett CG.
Computeranimiert.
Hier zum Beispiel, wo es gerade getroffen wurde.
Es ist also eine Kombination aus reinen Filmaufnahmen,
Aufnahmen in der Wüste, in denen der Himmel ersetzt wurde
und Computeranimationen.
Das Bildmaterial aus der Wüste wurde mit einem 3D-Kameraset gedreht.
Das bedeutet, wir haben es mit zwei Kameras gedreht...
Eine war eine Digitalkamera,
eine ALEXA Infrarot-Digitalkamera.
Die andere war eine Filmkamera,
die dem Bild die körnige Struktur verleiht und eine höhere Auflösung.
Ich habe bisher keinen Film komplett digital gedreht.
Und werde ich auch nicht, bis es nicht länger geht,
weil ich finde, dass Film und Filmmaterial weitaus überlegen ist
als Methode und Mittel, ein Bild aufzunehmen.
Es gibt etwas, das heißt "zeitliche Auflösung."
Ich will euch damit nicht zu sehr langweilen,
aber, wenn man ein Bild auf Film sieht, sieht man eine Körnung,
und bei jedem Einzelbild, das man sieht,
ändert sich die Struktur dieser Körnung von Bild zu Bild.
Bei einem digitalen Bild
ist jedes Einzelbild immer das Gleiche.
Will man eine Film-ähnliche Erfahrung schaffen,
wo die Struktur der Körnung oder besser die Struktur des Rasters
sich bei jedem Bild ändert,
braucht man wahrscheinlich so viele Festplatten,
die für nur einen Film das Empire State Building füllen würden.
Also macht es keinen Sinn.
Film ist immer noch das beste
und schönste Mittel, ein Bild aufzunehmen.
Aber ich bin neuer Technologie ganz und gar nicht abgeneigt.
Viele meiner guten Freunde in der Filmwelt...
Christopher Nolan, der ausschließlich auf Film dreht,
und ich mag ihn sehr,
er besteht darauf, dass der Film nicht digital fertiggestellt wird,
wie zum Beispiel das Negativmaterial zu schneiden und dergleichen.
Aber wiederum andere meiner Freunde,
Paul Thomas Anderson zum Beispiel, dreht ausschließlich auf Filmmaterial.
Aber Paul hat sich einige Aspekte der Digitalwelt zu eigen gemacht, wie ich.
Und ich denke,
dass für die ursprüngliche, erste Aufnahme eines Bildes
Film immer noch das Beste ist.
Aber ich glaube an die Magie des Digitalem als Zwischenglied,
bei dem der Film gescannt wird und man dann alles anpassen kann.
Chris Nolan schlägt noch den alten Weg ein,
bei dem man ein Gerät namens Hazeltine-Drucker hernimmt,
um Anpassungen vorzunehmen.
Er wird fotochemisch fertiggestellt. Es ist ein fotochemischer Prozess
von Anfang bis Ende, nie elektronisch.
Und es funktioniert auf fantastische Art für ihn,
aber mir gefällt die Kontrolle, die ich habe bei einem digitalen Prozess
nach der ursprünglichen Aufnahme des Bildes.
Hier sieht man das Scheitern der Vaterfigur,
da er nicht weitermachen kann.
Und wir wissen, dass Roy alleine gelassen wird.
Ich war sehr erstaunt über Donald.
Er hat in so vielen Filmen wundervolle Arbeit geleistet
und er arbeitete mit...
Mein Lieblingsregisseur aller Zeiten ist Federico Fellini.
Er arbeitete mit Fellini zusammen bei dem Film Fellinis Casanova.
Und natürlich verbrachte ich viel Zeit während unserer Pausen damit,
ihn zu fragen, wie es war, mit Fellini zu arbeiten.
Er mag es...
Er ist sehr altmodisch. Er mag es, wenn der Regisseur
neben der Kamera sitzt und nicht auf den Monitor sieht.
Was ich auch mag, außer es gibt keinen Platz für mich.
Und Donald weiß sehr gut über alle Aspekte der Filmproduktion Bescheid.
Er weiß, welche Objektive man auf die Kamera macht.
Und er sagt zu dir: "Ist das eine 32mm-Linse, die du da drauf hast?"
Oder: "Ist das eine 50?" Er schaut und passt wirklich gut auf
und er passt seine Darstellung an, je nachdem, welches Objektiv man benutzt.
Er ist in jedem Sinne ein alter Profi.
Brad ist ein wunderbarer Schauspieler.
Und auf gewisse Weise, unterschätzen wir ihn,
weil er die Persönlichkeit und das Charisma eines Filmstars hat.
Aber er ist ein sehr guter Schauspieler und mindestens so gut,
wie jeder, mit dem ich bisher gearbeitet habe, und sehr subtil.
Gibt man ihm eine Regieanweisung...
Es gab einige Male, an denen ich Brad eine Anweisung gab
und ersetzte sie um und ich fragte mich:
"Er hat es nicht umgesetzt. Hat er es jetzt so gespielt?"
Und dann sehe ich mir das Material am Ende des Drehtages an und merke:
"Natürlich hat er das."
Er hat eine wunderbare, subtile Änderung gemacht.
Und es ist wunderbar, mit Brad zusammenzuarbeiten, weil er weiß,
wie wichtig es ist, offen und verletzlich zu sein.
Jedenfalls war er so mit mir und in diesem Film.
Wir hatten die Grenzen beseitigt
zwischen Schauspieler und Figur, Figur und Film.
Und zwar, so offen und verletzbar zu sein wie möglich.
Der direkte Ausdruck des innerlichen Wohlfinden der Figur.
Und das wurde
zu unserer Herangehensweise, als wir den Film machten.
Ich sagte mal und ich sagte seitdem...
Ich habe deswegen ein bisschen Ärger bekommen.
Ich sagte, ich will den realistischsten Film
über die Raumfahrt machen, der je gemacht wurde.
Und das war eine sehr dumme Aussage von mir,
weil ich mich versprochen habe. Ich meinte mit "realistisch" nicht,
dass das alles passieren wird.
Was ich hätte sagen sollen, ist:
"Ich möchte die glaubhafteste Version von Science-Fiction."
Das bedeutet: "Sie reisen zum Mars,
"sie reisen zum Neptun.
"Es ist nicht realistisch,
"dass wir in 79 Tagen zum Neptun reisen können, wie der Film es sagt.
"Aber ist es plausibel in den nächsten 50 bis 100 Jahren?"
Vielleicht. Ionen-Antriebskraft, Plasma-Antriebskraft,
eine Art atombetriebene Antriebskraft. All daran arbeitet man bereits.
Sie existieren noch nicht, aber sie sind glaubhaft.
Also entschieden wir uns für derzeitig plausible Erklärungen.
Das Szenenbild wurde von einem Mann namens Kevin Thompson gemacht.
Und mein Stolz ist,
seitdem ich ein kleiner Junge war, in große Mitleidenschaft gezogen.
Aber es gibt eine Sache, auf die ich sehr, sehr stolz bin
und das ist die Tatsache, dass ich Kevin Thompson seinen ersten Job gab,
als Szenenbildner bei meinem ersten Film Little Odessa.
Und Kevin wurde zu
einem der besten Szenenbildner, die im Filmgeschäft arbeiten.
Darauf bin ich sehr stolz.
Ich heimse die Lorbeeren ein für Kevins Herrlichkeit.
Und seine Arbeit an diesem Film ist, wie ich finde, brillant.
Das ist eine Weiterführung von dem, was wir gerade besprochen haben,
der Grundgedanke des Plausiblen. Also, was machten wir?
Kevin sah sich unerbittlich
alle Fotos der ISS an, alle Fotos von Skylab.
Wir fuhren zu Lockheed Martin,
wir fuhren zu dem Düsenantriebslabor in Pasadena in Kalifornien,
hatten lange Unterhaltungen mit Astronauten
über die Raumfahrt und alles, was dazu notwendig ist.
Man sieht die Entwicklung im Design.
In dem Flug zum Mond, ist es kommerziell.
Es gibt Wandtapeten, sie geben Getränke aus,
das Kissen- und Decken-Paket.
Und hier, reisen wir zum Mars. Mars ist ferner Weltraum.
Auf einmal sind alle Materialien auf Militäranspruch.
Sie gehen nicht kaputt. Die Qualität der Schalter ist anders.
Die Qualität der Schrauben und Muttern ist anders.
Das ist für Langstrecken gedacht, für richtige Raumfahrt.
Für die schwierige, aufreibende Arbeit, die nötig ist,
damit ein Raumschiff die Umlaufbahn der Erde und des Mondes verlässt.
Die Wissenschaft hinter dem Film ist,
dass wir versuchten, es auf der Glaubhaftigkeit basieren zu lassen
und dennoch die Erzählung vorgeben zu können.
Also mag Mancher denken: "Ich verstehe das nicht.
"Sie müssen zum Mond fliegen, um zum Mars zu kommen?"
Nun, das ist, was sie denken.
Weil auf dem Mond, wie wir uns erinnern,
nur ein Sechstel der Erdanziehung wirkt.
Also warum vom Mond abheben, um zum Mars zu reisen?
Nun, wenn nur ein Sechstel der Anziehungskraft wirkt,
bedeutet das, dass eine Rakete kleiner sein kann oder weniger Schub braucht,
die Mondanziehung zu verlassen.
Weniger als die Erdanziehung zu verlassen.
In der Zukunft,
werden wir das Orion-Raumschiff haben,
welches uns zum Mars bringen wird im Jahre 2033, wie sie hoffen,
und vom Mond abheben wird.
Und wir werden die Orion in einem Trockendock bauen,
in einem Fahrzeug, dass den Mond umkreist.
Klingt nach Science-Fiction, oder?
Er hatte mir versprochen, dass ich ihn eines Tages unterstützen dürfte.
Dass er mich mitnehmen würde.
Und ich glaubte ihm.
Der Erste, der zum Jupiter flog.
Der Hintergedanke hier war, eine Gruppe Astronauten zu zeigen,
die völlig ahnungslos ist,
gegenüber der "Wellen" oder kosmischen Strahlen der Lima-Project.
Sie wussten vielleicht über die Wellen an sich Bescheid,
aber waren sich nicht sicher, was die Folgen waren.
Und so waren sie auf eine Art völlig unbeirrt,
sicherlich in Bezug auf Roys Absichten.
Brads Figur war von der Gemütshaltung in völliger Aufruhr,
weil er nicht in der Lage war, den Zweck dieser Mission auszudrücken,
und das führt zu einem sehr leer gesaugten Befinden.
Wenn man gezwungen ist, sich innerlich damit zu befassen,
wo man sich nicht ausdrücken kann,
zwingt es dir ein Befinden
der Einsperrung, der Einsamkeit auf.
Daher kann er hier nicht mit der Crew interagieren.
Einem Film, dem ich hier offensichtlich etwas schuldig bin,
ist Apocalypse Now, Francis Coppolas Film von 1979.
Das ist ein Meisterwerk. Der Film ist für mich sehr wichtig.
Ich sah in erstmals, als ich ein kleiner Junge war. Ich war 10 Jahre
und ich hatte noch nie so etwas gesehen.
Und offensichtlich schulde ich dem Film einiges.
Die Erzählerstimme.
Die Grundidee, dass eine Person bis ans Ende des Sonnensystems reist,
oder in dem Film, den Fluss hoch, um eine Vaterfigur zu konfrontieren.
Aber hier versuchte ich es wortwörtlich.
Kurtz in dem Film ist aus Heart of Darkness,
das Buch von Joseph Conrad und nicht sein leiblicher Vater.
Hier ist es sein leiblicher Vater
und er muss etwas auf direktem emotionalem Wege konfrontieren.
Ich glaube nicht, dass Francis Coppola
da hätte machen müssen, denn er hatte den Zusammenhang,
den historischen Zusammenhang mit dem Vietnam-Krieg,
mit dem er die Geschichte erzählte.
Aber ohne jegliche Art von historischem Kontext, wie dem Krieg,
wollte ich auf direktere Art Roys emotionales Inneres konfrontieren
und was es bedeutet, von seinem Vater verlassen zu sein.
Das ist, was für mir die Geschichte persönlich erscheinen ließ.
Ich habe ein Zitat gelesen.
Ich will nicht zu anmaßend oder geschwollen klingen,
das tut mir leid, also entschuldige ich mich im Voraus...
Aber ich las ein Zitat an einer Wand einer Kunstausstellung, das sagte:
"Geschichte und Mythos fangen immer in dem Mikrokosmos des Inneren an."
Je spezifischer wir sein können,
desto spezifischer und persönlicher können wir werden
und hoffentlich auch desto genereller, und umfassender,
mythischer werden wir.
Und die Idee war, eine Geschichte zu erzählen,
die fast schon die Einfachheit einer griechischen Sage beinhaltet,
fast wie eine Sage von Joseph Campbell, in der der Held...
Und das verwechseln wir heutzutage manchmal mit Superhelden,
die allmächtig sind und unfehlbar
und eine Kraft des Guten sind.
Aber ein Held in Mythen, ein fehlerhafter Held,
eine Person, die nach einer Art Erhabenheit sucht,
das war unsere Idee.
Und in der Heldensage hat der Held eine Reihe an Prüfungen.
Man sieht es hier. Die erste, der Zugang, richtig?
Er muss erst zum Mond.
Die Reise zum Mond, bei der er den Piraten begegnet,
um weiterzukommen zum Mars.
Und hier ist eine weitere Prüfung, bei der er etwas begegnet,
was sehr unerwartet ist.
Und das ist natürlich
der Forschungsaffe oder Pavian auf dem Vesta-Raumschiff.
Die Szene sollte
im wahrsten Sinne
die absolut bizarre Unvorhersehbarkeit
der Reise und der Raumfahrt generell darstellen
und was es bedeutet
für Lebewesen der Erde im Weltall zu sein.
Das Verhalten wird völlig anders.
Unser Körper wird komplett anders, wegen der fehlenden Schwerkraft.
Und die Situationen, die Probleme und Konzepten, denen wir uns stellen,
die Krisen, denen wir uns stellen, werden drastisch verändert.
Im All, diese Unendlichkeit, die Leere, das Unendliche,
zwingt uns
alle praktischen Überlegungen und Bedenken zu vernachlässigen.
Ich mache mal ein Beispiel.
Jeder in dem Film trägt so einen Raumanzug, richtig?
So überleben sie. Sie müssen diese Anzüge tragen.
Der Anzug ist in gewissem Maße ihr eigenes, privates Raumschiff
und es ist praktisch.
Die Farbe ist praktisch, die Form ist praktisch,
dieser Behälter, den die Leute Jet Pack nennen, der aber "MMU" heißt,
der ist praktisch.
Eine sehr praktische Existenz.
Und so bleibt einem nur
sein eigener, innerlicher Kampf.
Nichts lenkt dich ab.
"Schau, da ist ein Kratzer auf meiner Motorhaube.
"Schau, der Saum an meinem Kleid ist gerissen,
"ich muss das reparieren, ich habe zugenommen.
"Ich habe gestern Abend ein sehr gutes Essen in diesem Restaurant gehabt."
"Das hatte zu viel Kohlenhydrate." Nein.
Dein Essen im All wird für dich ausgesucht.
Deine Kleidung ist für dich ausgesucht.
Das Einzige, was dir bleibt, ist die Leere.
Und diese Leere ist nicht schlecht, auch nicht gut, sie ist gleichgültig.
Und sie ist grausam in ihrer Gleichgültigkeit.
Das treibt einem zu diesem Alleinsein, diese Trennung zur Erde.
Das Fehlen von Ablenkungen zwingt dich zum Eigendialog,
den inneren Monolog.
Das war ein weiterer Grund, warum wir dachten, der Erzähler sei notwendig.
Die Erzählerstimme war für uns nicht leicht in der Herangehensweise.
Ich schrieb eine Version,
Brad gab mir Anmerkungen zur Erzählerstimme
und dann wirkten noch andere Autoren mit.
Eine Poetin namens Tracy K. Smith, die sogar genannt wird
am Ende des Films, schrieb einige Sätze um.
Genau wie Charlie Kaufman, der grandiose Drehbuchautor.
Und wir versuchten... Wir bekamen Hilfe aus allen Ecken.
Ich zog sogar Kazuo Ishiguro hinzu,
den berühmten, wunderbaren Romanautor.
Alle gaben uns großartige Ideen,
aber letztendlich ist, was man im Film hört,
eine Zusammenarbeit von Brad und mir.
Wir fanden es essenziell, um zu sehen, was sich in seinem Kopf abspielt
und, um ihn zu verstehen und seinen inneren Dialog...
Seinen inneren Monolog, sollte ich sagen.
Die visuellen Effekte in diesem Film
sind, wie man sagen würde, maßgeschneidert.
Viele Leute fragten mich: "Wer hat die Effekte in deinem Film gemacht?"
Und die Antwort ist eine Vielzahl an Leuten.
Ich erwähnte ja bereits Atomic Fiction.
Das war die Firma, die an der Mondfahrzeugszene arbeitete...
MPC ist eine weitere Firma.
Sie arbeiteten an den Raumschiffen
und an vielen Mars-Sachen.
Dann gab es Industrial Light & Magic, ILM.
Die wahrscheinlich berühmteste Firma für visuelle Effekte.
Sie haben viel Konzeptarbeit geleistet während der Vorproduktion.
Und der Pavian hier, der gerade explodierte,
wurde von einer Firma namens Weta gemacht, die in Neuseeland sitzen.
Weta ist bekannt für Primaten. Sie machten die Planet-der-Affen-Filme.
Das ist wirklich eine Gruppe bemerkenswerter Menschen.
Es ist interessant,
dass die Technologie, die man her nimmt für computeranimierte Affen,
sich verändert hat und besser geworden ist,
seitdem sie die Planet-der-Affen-Filme gemacht haben.
Wenn auch nur um 5 %, aber immerhin, ein bisschen besser.
Und wie man die Szene dreht, ist sehr ablenkend.
Wir hatten eine Stuntfrau, die kämpfte,
und sie trug etwas, das aussah
wie ein grauer Schlafanzug mit all diesen weißen Punkten auf ihr.
Und wenn man es sieht, denkt man:
"Was zum Teufel ist das? Das soll ein Pavian sein,
"aber ich sehe eine junge Frau,
"die an Kabeln hängt und herum kämpft.
"Wird das gut aussehen?"
Und dann, selbstverständlich, ein Jahr später,
sieht man einen Pavian mit Brad Pitt kämpfen.
Witzig, wie diese Dinge funktionieren.
Dazu sollte ich über Sets generell reden,
denn das war eine merkwürdige Sache.
Das Cockpit wurde
mit dem Hintergedanken entworfen, dass jeder Schalter etwas bedeutet.
Ein Mann namens Robert Yowell,
der in der Entwicklung des Cockpits eines Raumschiffs half,
hat mit uns gesprochen und half uns bei dem Design des Cockpits.
Tja, das war's. Ich meine, wir...
arbeiten, machen unseren Job,
und dann ist es vorbei.
Um Brad herum, sieht man hier,
dass jeder Schalter, jeder Bildschirm eine Funktion hat.
Brad war besessen davon.
Er rief oft Robert Yowell an
oder er rief einen Astronaut an, den wir oft konsultierten,
ein fantastischer Typ namens Garrett Reisman, der...
Nicht nur ein Raumschiff geflogen hat, sondern auf der ISS war,
der International Space Station.
Er sagte immer: "Was bedeutet dieser Schalter?
"Was bedeutet das" und "Was bedeutet dieser Bildschirm?
"Wenn ich dort hinfliegen könnte, wie müsste ich den Hebel zurückziehen?"
Er wollte sehr akkurat sein,
was ich grandios fand.
Und manchmal
sitze ich am Set und bewundere Brads Engagement,
seine Detailverliebtheit und Genauigkeit
in Bezug auf das Fliegen eines Raumschiffes.
Und wir haben
das vorherige Raumschiff, die Vesta, gebaut,
das mit dem Pavian und dieses hier. Gleich zweimal.
Wir haben es horizontal und vertikal gebaut,
wegen der Arbeit mit der Schwerelosigkeit.
Es gibt auch Wege, die Schwerelosigkeit
mehr über Computeranimationen darzustellen.
Wie zum Beispiel in Gravity,
dem Film von Alfonso Cuarón mit Sandra Bullock.
In dem Alfonso etwas wirklich Erstaunliches gemacht hat,
und zwar die Schwerelosigkeit
fast wie einen Animationsfilm zu behandeln.
Und ich meine damit nicht, dass es dem Film an umfangreicher Handlung fehlt.
Ich meine, dass, wie bei Animationstechniken, ihr Gesicht,
Sandra Bullocks Gesicht,
auf ihren komplett computergenerierten Körper gelegt wurde.
So behandelte er es fast wie ein Animationsfilm.
Das Maß an technischer Gewandtheit dabei ist schlichtweg atemberaubend.
Eine wahrhaftig erstaunliche, technische Errungenschaft.
Wir haben es eher auf die altmodische Art gemacht.
Hoyte und ich sahen uns 2001 an,
aber Hoyte arbeitete auch an Chris Nolans Film Interstellar
und hatte etwas Erfahrung damit.
Die Schauspielerstanden dabei auf
was beim Film "Apfelkiste" genannt wird, was Holzkisten sind,
die sich etwas bewegen,
damit sie nie testen Untergrund unter den Füßen hatten.
Und für Aufnahmen von etwas weiter weg hingen die Schauspieler an Kabeln
und die Kamera stand am Boden und war nach oben gerichtet.
Sie hingen an diesen Kabeln
und entweder waren diese durch die Körper verdeckt,
oder man entfernte sie später digital.
Wie man sich vorstellen kann, war das auf eigene Art
akribisch und äußerst strapaziös.
Das war sehr schwer für Brad,
und sehr schwer für die anderen Schauspieler. Ich muss sagen,
alle gingen sehr erfahren damit um.
Sie mussten dieses sehr unbequeme Kabelgeschirr tragen
und es wird dabei viel Körperkraft verlangt
und sie gingen sehr erschöpft abends nach Hause.
Und das bedeutete, dass wir
sechs oder sieben Kameraeinstellungen im Laufe eines Tages machen konnten,
wo hingegen man normalerweise vielleicht 14 oder 15 schafft.
Es wurde sehr mühsam.
Die Aufnahme von weiter weg wurden in dem vertikalen Set gedreht,
wobei die Schauspieler an den Kabeln hingen.
Das ist wirklich sehr unangenehm.
Schauspieler... Ich liebe Schauspieler, ich finde, sie sind
wundervolle, verrückte, schöne, verwundete Seelen.
Und sie sind der Schlüssel zu jedem Filmerlebnis.
Und man muss sie unterstützen
und ihnen Platz geben, um sich wohlzufühlen.
Und eine Sache, auf die sich Schauspieler beziehen,
ist eine äußerst wichtige Sache, auf die sie sich beziehen,
ist die Umgebung, und die Impulse,
um zu wissen, auf was sie reagieren.
Den anderen Schauspieler in der Szene...
Man erinnert sich an die berühmte Szene,
in der Marlon Brando mit Eva Marie Saint spaziert in Die Faust im Nacken.
Ein wunderschöner Film von 1954. Regie geführt hat Elia Kazan.
Sie lässt ihren Handschuh fallen beim Spaziergang im Park.
Und direkt hinter ihr hebt er ihn auf und fängt an, damit herumzuspielen.
Das ist ein wundervoll menschlicher Moment.
Solche Momente in so einem Film hinzubekommen ist sehr schwer.
Man sieht ja, wie Brad gekleidet ist,
oder wie die wunderbare Loren Dean hier gekleidet ist.
Es ist fast, als ob man ein Goldfischglas auf dem Kopf trägt,
und man trägt diesen riesigen Michelin-Männchen-Raumanzug.
Dann wird es sehr schwer, wenn man kopfüber hängt,
oder wenn man vor einem GreenScreen schauspielern muss,
diese Impulse zu geben, die man braucht, um seine Figur auszubauen.
Zum Beispiel sieht Brad hier aus dem Fenster
und wir sehen die Marsoberfläche in der Abenddämmerung.
Brad sah nur eine große orange Leinwand.
Wir haben viel Recherche betrieben zur Marsoberfläche
und über die Erkundung des Mars.
Und wir fanden raus...
Obwohl der Film Der Marsianer
mit Matt Damon, der Ridley-Scott-Film, welcher ein wundervoller Film ist,
ein überaus unterhaltender Film.
Obwohl wir große Bewunderer des Films sind,
mussten wir etwas Anderes versuchen.
Und wir mussten so genau, wie wir konnten, Mars naturgetreu darstellen,
mit Hilfe jeder neuesten Technologie und aller Fotos der Marsoberfläche.
Also sehen wir hier wieder
echte Fotoaufnahmen der Marsfahrzeuge
als Basis für unsere Marsoberfläche.
Und wiedermal könnte das der erste Film sein,
der auf dem Mars gedreht wurde.
Sie können weiter in die nächste Halle.
Die Idee, dass wir uns unter der Oberfläche befinden, basiert auf...
...glaubwürdiger Wissenschaft, hoffe ich. Das wissen wir natürlich nicht.
Wir wissen nicht, wie man wirklich erfolgreich auf dem Mars landet.
Mars hat eine Atmosphäre. Die Lust ist recht dünn.
Es gibt Schall auf dem Mars.
Die Töne auf dem Mars sind angeblich eher basslastig.
Aber natürlich wissen wir das nicht sicher.
Obwohl ein Marsfahrzeug
ein Geräusch des Windes vom Mars geschickt hat, Vorgut einem Jahr.
Und es klang sehr brummend, sehr basslastig.
Aber wir wissen, dass es unterirdische Seen gibt auf dem Mars.
Viele davon sind eingefroren. Aber manche vielleicht nicht.
Wir wissen auch, dass der Mars sogenannte "Lava Tunnel" hat.
Also ist der glaubwürdigste Ansatz für eine Marsstation
diese Tunnel,
die für uns schon unterirdisch gegraben worden sind.
Sie existieren bereits.
Also wollten wir darstellen... Wir dachten, dass der Mars am besten
als unterirdische Version
einer Antarktisstation funktionierte.
Die USA haben die größte Antarktisstation der Welt.
Sie heißt McMurdo-Station.
Und wir schauten uns viele Fotos der McMurdo-Station an.
Und wiedermal halten wir fest an der praktischen Erfahrung,
genau wie bei dem Raumschiff.
Die Oberflächen, die Möbel, die Umgebung
besteht nur aus dem, was nötig ist, oder was sie mitnehmen konnten,
oder was sie vor Ort mit einem 3D-Drucker machen konnten, mehr nicht.
Die Zukunft wird nicht von Giorgio Armani entworfen.
Die Zukunft wird nicht von
Richard Meier, oder Peter Zumthor, oder Frank Gehry entworfen.
Die Zukunft wird im All entworfen,
aus einer Notwendigkeit heraus.
Hauptsächlich stammend aus dem, was wir zum Überleben brauchen.
Weil das Weltall und andere Planeten uns gegenüber lebensfeindlich sind.
Also vermieden wir jegliche Art von Stil.
In Grunde, den Gedanken an Stil komplett loszuwerden.
"Ich versuche, mit dir zu kommunizieren.
"SPACECOM lässt dich wissen, dass sie Kenntnis von den Störungen haben...
"und dass nicht du dafür verantwortlich sein kannst.
"Sie brauchen alle Informationen über deine Bemühungen..."
Diese Szenen im Mars-Kommunikationsraum,
drehten wir in einem sogenannten reflexionsfreien Raum,
in Santa Clarita in Kalifornien, glaube ich...
Ich weiß nicht Mehrgenau, wo das war,
obwohl ich selbst dort ein paar Nächte blieb.
Es war sehr heiß an dem Abend, als wir das drehten.
Es war sehr heiß in diesem schall freien Raum.
Und die Umgebung war merkwürdig.
Und wir mussten dort nicht viel aufbauen.
Ich glaube, wir haben ein paar Lampen in den Boden gemacht,
die man in der Einstellung von oben sehen kann.
Und wir haben das Dach aufgemacht,
damit Brad in das All aufblicken konnte.
Als ob er zu seinem Vater sieht, zu seiner Verbindung zu ihm.
Es war eine merkwürdige Umgebung und Brads Arbeit in der Szene
war außergewöhnlich. Ich glaube, er...
Wir drehten die Szene aus vielen verschiedenen Blickwinkeln.
Also musste er sie einige Male machen.
Und ich glaube, ich drehte mit zwei Kameras 17 Mal,
wie er die Nachricht an seinen Vater schickte
und ich glaube, was ihr im Film seht, war das 12. Mal,
obwohl meine Erinnerung mich hier täuschen könnte.
Und jedes Mal machte er etwas ein klein wenig anders.
Manche emotionaler. Manche weniger emotional.
Und meines Erachtens,
traf er dieses Mal genau die richtige Stelle.
Die Musik in dem Film war eine eigene, merkwürdige
Verkettung an Ereignissen, sollte man sagen.
Ich hatte zuerst von Max Richter gehört durch
seine Neuaufnahme von Vivaldis Vier Jahreszeiten.
Und ich war sehr, sehr ergriffen
von der Herausforderung, die die Filmmusik darstellte.
Weil, wenn man ein Symphonieorchester hernimmt,
was bedeutet, man nimmt Instrumente her, die wir kennen
aus den westlichen Regionen seit dem 19. Jahrhundert,
wie das Hammerklavier, das Klavier.
Da redet man von... Das ist die Sprache.
Die Ursprache des Films.
Als es mit Stummfilmen anfing.
Aber als die Filmstudios aufkamen und Leute wie Max Steiner
die Musik zu King Kong und Vom Winde verweht komponierten,
wurde das zur Sprache des Films.
Das Central European Orchestra.
Und dann irgendwann Mitte der 60er,
kamen mit der "Musique concrète" -Bewegung...
...eine Reihe an Komponisten.
Krzysztof Penderecki aus Osteuropa
und Morton Feldman aus den USA, zum Beispiel,
fingen an, damit herumzuexperimentieren
und sich von Melodien weiter zu entfernen zum Beispiel
und man gab sich große Mühe mit
anderen Formen von Instrumentierung zu experimentieren.
Und Stanley Kubrick, über den wir schon viel geredet haben,
erkundete die Musik eines Mannes namens Ligeti.
Man kann seine Musik nicht nur in 2001 hören,
sondern auch in Eyes Wide Shut.
Offensichtlich konnte ich das nicht machen,
weil Mr. Kubrick das schon auf unverkennbare Weise gemacht hat.
Dann fragt man sich: "Sollten wir vielleicht ein Orchester hernehmen?"
Mr. Kubrick hat das selbstverständlich mit der Blauen Donau bei 2001 gemacht.
Standard Orchesterinstrumente wie die Orgel, die mich interessierte,
gab uns eine weite, mythische Deutung, dachte ich.
Aber dann machte Chris Nolan Interstellar
und Hans Zimmer nutzte Orgeln, also ging das auch nicht.
Dann fragt man sich: "Wie ist es mit elektronischer Musik?"
Wiedermal hat das Stanley Kubrick mit den Werken von Wendy Carlos gemacht.
Und natürlich Vangelis' fantastische Komposition für Blade Runner,
die Ridley Scott hernahm war elektronisch.
Also ist elektronische Musik auch nicht verfügbar.
Was bleibt übrig? Elektronische Musik ist weg.
Westliche Instrumente sind weg.
Atonale Stimmen sind weg. "Wie wäre es mit einer Kombination der Dreien?
"Und wie wäre es wenn man östliche Instrumente verwendet?"
Also war die Idee...
Was ich mit Max machen wollte, als wir uns trafen, war:
ich zeigte ihm den Film und er nahm ihn sehr positiv auf
und machte daraufhin einige sehr merkwürdige Aufnahmen.
Da war teils Orchester-Filmmusik.
Dann gab es elektronische Komponente. Dann gab es menschliche Stimmen.
Er machte also eine Art Verschmelzung.
Er nutzte ein Instrument namens Canna Sonora,
das ich vorher nicht kannte. Da kam ein Mann und legte weiße Handschuhe an
und er fing an, diese langen Metallstangen zu reiben,
die diese jammernden Töne von sich gaben.
Wir haben also versucht, um die Ecke zu denken.
Und das funktionierte an manchen Stellen wunderbar
und an manchen anderen Stellen,
gab es Dinge, die für mich hervorstachen.
Zum Beispiel...
Brad stellte mir Nils Frahm vor, ein Komponist elektronischer Musik,
dessen Musik auch in dem Film einige Male genutzt wird.
Da hat, wie wir fanden, den Umfang des Films ausgeweitet,
seine Musik an manchen Stellen zu verwenden.
Und dann gab es noch Lorne Balfe, der zum Schluss dazukam
und einige Stücke schrieb,
die mehr das Genre des Films bedienten,
was noch nötig war, um ein paar Akzente zu setzen.
So wurde die Filmmusik ein bisschen hiervon und ein bisschen davon.
Und letztendlich war ich sehr glücklich damit,
obwohl die Herangehensweise vielleicht etwas verstreut war.
Für mich spiegelte das seine Reise wider,
dass es immer merkwürdiger wurde, je tiefer er ins All reiste.
Dieser Raum sollte fast ein Klischee der Erde darstellen
und was die Erde bedeutete. Also sieht man diese Wellen.
Fast wie ein Bildschirmschoner bei Apple TV.
Und das war, wenn ich ehrlich bin,
ein nachträglicher Einfall.
Die Idee dazu kam mir nachdem das Set gebaut wurde
und ist offensichtlich komplett computeranimiert.
Ich weiß auch nicht, wie wir das mit praktischen Mitteln gemacht hätten,
und ich bin mir sicher, Hoyte ist zu Recht
unzufrieden mit der Szene, weil, als er sie ausgeleuchtet hat,
keine Hintergründe da waren. Es wurde als echtes Set ausgeleuchtet.
Aber ich fand es wichtig, uns zu erinnern, wie die Erde aussieht,
und diesem Raum eine weitere Bedeutung zu verleihen,
insbesondere für die Figur von Ruth Negga.
Ruth ist eine brillante Schauspielerin.
Und ich wollte jemanden, dem man glaubt, dass er auf dem Mars aufwuchs.
Und Ruth hat in ihrer...
Jeder Schauspieler bringt eine Persönlichkeit mit sich,
oder etwas, das sie auf der Leinwand darstellen.
Über Brad sagt man, er sei "der typische Amerikaner".
Er hat diesen kurzen Haarschnitt und er ähnelt den
amerikanischen Astronauten der 60er Jahre.
Und Ruth hat eine himmlische Eigenschaft.
Eine fast unnahbare Eigenschaft
und zeigt jemanden, der wahrscheinlich nicht viel Zugang
zu vielen Menschen auf der Erde hatte. Ein emotionaler Verlust.
Und wir dachten, das sei perfekt,
um diese greifbare Version eines "Marsianers" rüberzubringen.
Zwar ein Mensch, der auf dem Mars geboren ist,
aber somit jemand, der demnach Marsianer ist.
Ein Mensch, der auf dem Mars geboren wurde, würde die Erde sehr vermissen.
Diese Person würde sich an eine Schwerkraft gewöhnen,
die nur ein Drittel von der Schwerkraft der Erde ist.
Dieser Person würde es vollkommen unvertraut sein, nach draußen zu gehen
und Luft zu atmen und unter einem Baum zu sitzen und ein Buch zu lesen.
Ihr wäre es vollkommen unvertraut, Vögel zu sehen,
oder eine Spinne über ihren Fuß krabbeln zu lassen.
Dieser Person würde etwas fehlen. Das dachten wir uns dabei.
Und Brad hat mit keiner anderen Person in dem Film eine Verbindung
und wir dachten, es gäbe den Hauch einer Chance, dass es jemanden gibt
und sie diese Person ist.
Joseph Campbell würde sagen:
"Das war das Treffen des Helden mit der Göttin."
Ich wollte das nicht so wörtlich nehmen
und sie als "Göttin" zu bezeichnen,
ist ein bisschen quer gedacht, weil ich keine Art von Sexismus...
Oder gar eine Beziehung der Beiden andeuten. Das wäre ein Fehler.
Aber ich wollte, dass er zu einem anderen Menschen eine Verbindung hat.
Ein Mensch, der ihm eine Form von Mitgefühl gibt.
Ein Mensch, mit dem eine Verbindung besteht oder es den Anschein macht.
Und ich erinnerte mich, über Nausikaa in der Odyssee gelesen zu haben.
Homers Odyssee.
All das spielte eine Rolle bei ihrer Figur.
Ich melde eine Tragödie.
Hier, am Rand unseres Sonnensystems, waren einige Besatzungsmitglieder...
nicht imstande, den psychologischen Druck auszuhalten,
Das All sollte auf eine Weise organisch wirken.
Die Bewegung des Lichtes, welches fast die inneren
Gedanken von Roy widerspiegelte. Es war sein Puls, sein Herzschlag.
So war es auf eine Art organisch.
Wir suchten Beispiele aus dem echten Leben für Tommy Lee Jones' Figur.
Aber was bedeutet das?
Offensichtlich war noch nie jemand auf dem Neptun
und lebte auf einer Raumstation auf Neptun.
Was machen wir also?
Es gab viele Entdecker und wir erinnern uns,
als Europäer nach Amerika reisten,
war es offensichtlich nicht gewiss, dass sie Land finden werden.
Für sie war es, wie ein neues Universum zu betreten.
Wie es sich für Magellan zum Beispiel angefühlt haben muss,
um die Welt zu reisen.
Wir schauten uns also diese Beispiele an, aber auch,
um tiefer größenwahnsinniges Verhalten zu erforschen.
Ich versuchte, wirklich tief in diese Art Größenwahn vorzudringen.
Ich hatte viel über Jim Jones gelesen.
Heutzutage ist es eher ein Witz, wenn wir sagen,
er oder sie habe "von der giftigen Limonade getrunken."
Was natürlich bedeutet, dass jemand Gift getrunken hat,
was ihn verrückte Dinge tun lässt.
Aber es stammt aus Jonestown, einer abgelegenen Kolonie
in Südamerika,
welche von Reverend Jim Jones aufgebaut wurde, der Amerikaner war
und recht aktiv war in der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung
und der Anti-Armut, und er war jemand, der lobenswerte Bestrebungen hatte.
Er wurde gepriesen von Walter Mondale,
dem Vizepräsidenten neben Jimmy Carter, als großartigen Amerikaner.
Aber erging nach Südamerika
und verlor regelrecht jeden Sinn von Realität und seinen Verstand
und ist die Person, die verantwortlich ist
für den zweit schwersten Verlust amerikanischer Leben
in einer Situation, die nicht aus dem Gefecht heraus entstand...
Über 900 Leute, glaube ich,
in einem Massenselbstmord, die er dazu brachte, die Limonade zu trinken.
Das ist die Karte eines Sees unter der Abschussrampe.
Von dort aus können Sie ins Schiff gelangen.
Wir sind gleich da.
Die werden Sie festnehmen.
Ich weiß.
Seine Nachricht über seine göttliche Mission
und wie Größenwahn und Stolz und Narzissmus ihm überkamen
und wie in unserem Film, die Leere,
die im Fall von Jim Jones der Dschungel war...
Aber in unserem Film zerstörte die Leere, die ausgedehnte Fläche,
seine psychologische Gesundheit,
und wie er wirklich völlig distanziert ist von der Realität.
Und das ist zum Teil der Grund, warum er es toleriert,
sein eigenes Kind verlassen zu haben.
Wir betrachteten auch fiktionale Quellen.
Ich mochte Moby Dick sehr. Es ist immer noch mein Lieblingsroman...
Vielleicht ist Die Brüder Karamazow von Dostoyevsky mein Lieblingsroman.
Aber ich mag Moby Dick sehr, zu dem ich erst spät im Leben kam.
Ich war kein guter Schüler in der Highschool,
in der wir Moby Dick hätten lesen müssen.
Ich glaube, das war im letzten Jahr auf der Highschool.
Ich war ein schlechter Schüler und ein lausiger Junge,
also mogelte ich mich da durch.
Ich las immer nur "Monarch Notes" oder "Cliffs Notes",
eine dieser Buchzusammenfassungen.
Und in der Prüfung war ich nicht sehr gut, aber nur darum ging es.
"Ich habe das System ausgetrickst, ich musste nicht dieses doofe, lange,
"langweilige Buch über einen Wal lesen."
Als ich Anfang der Dreißiger war, sagte ich zu mir:
"Ich muss Moby Dick lesen, es ist eines der wichtigsten
"Romane, die je geschrieben wurden und vielleicht wird es nervig, aber egal."
Also las ich es und ich dachte, es ist das Beste, was es gibt.
Ich wurde süchtig nach Büchern von Herman Melville.
Bartleby, der Schreiber und Billy Budd.
Eine Sache, über die man stolpert, insbesondere bei Moby Dick, ist,
die absolut brillante Vorstellung der Figuren
und welche Gedanken Melville hatte für Kapitän Ahabs Wesen.
Kapitän Ahab war in dem Buch...
Ihm wurde sein Bein von dem Wal abgebissen.
Nun, eigentlich, wenn man das Buch genau liest, auch seine Männlichkeit,
seinen Penis. Abgebissen von einem Wal.
Auch wenn das nicht häufig erwähnt wird, aber...
Er wurde im Grunde von dem Wal kastriert.
Und den Wal zu fangen und zu töten wurde daraufhin seine Besessenheit.
Das Buch wird zu einer brillanten Betrachtung der Besessenheit
und welche zerstörbare Kraft sie hat.
Und die zerstörbare Kraft des Narzissmus und
wenn man denkt, etwas sei eine gute Tat, ein Ziel, das man verfolgt,
selbst wenn es komplett selbstzerstörerisch ist.
Daher sah ich
Tommy Lee Jones' Figur als eine Art
Ahab des Sonnensystems, der den weißen Wal verfolgt.
Und in diesem Fall wäre der weiße Wal intelligentes Leben.
Dieses flüchtige Ding, das Ernie erreichen wird
und das ihn nie glücklich machen wird.
Aber durch seinen Narzissmus und seinen Größenwahn
und die Leere, diese schreckliche Distanz, die er zurücklegen muss,
tritt der Wahnsinn ein.
Zu Zeiten des Walfangs war es die Weitläufigkeit des Meeres.
Oder zu Zeiten der Entdecker waren es die endlosen Dschungel,
die die Leute verrückt machten.
Aber hier haben wir das Weltall.
Und ich glaube nicht, dass die NASA... Obwohl sie es versucht haben.
Aber die NASA hat bisher noch nicht wirklich verstanden,
was es bedeutet für den menschliche Geist,
tief ins All zu reisen.
Das war unsere Hauptbeschäftigung in dem Film.
Der Ursprung des Films war eher merkwürdig.
Ich hatte von der Spaltung eines Atoms gelesen,
vom ersten Mal, dass ein Atom gespalten wurde
auf einem Footballfeld der Uni in Chicago.
Und bevor das Experiment durchgeführt wurde,
und somit auch vor der ersten Nuklearsprengung
in Neu Mexiko,
hat Enrico Fermi seine Wissenschaftler gewarnt, dass es zu 90 % sein konnte,
dass der gesamte Südwesten der USA
nicht zerstört werden würde, was selbstverständlich erschrecken ist.
Das bedeutet, dass zu 10 % eine Chance gab,
dass der Südwesten der USA zerstört werden würde.
Und noch viel wichtiger war,
dass sie dachten, dass zu 99 % jegliche Materie, die wir kennen,
dass jegliche Materie nicht zerstört werden würde.
Und dennoch fuhren sie mit dem Experiment fort.
Also fing ich an, das
mit dem Größenwahn eines Jim Jones zusammenzustellen.
Und im tiefen Weltall, wenn jemand nicht mehr klar denkt,
was bedeutet das, wenn solch eine Person Experimente durchführt,
oder etwas ist im All passiert,
was bedeutete, dass unser Überleben auf dem Spiel steht.
Im Laufe des Voranschreiten dieser Geschichten
ändert man die Geschichte ab...
Einfach, weil einem verschiedene Dinge klar werden.
Und zur selben Zeit, als ich das über die Atomspaltung las,
ungefähr zurselben Zeit,
las ich auch, was ich vorher erwähnte, der Grundgedanke, dass Menschen,
die sie für Raumfahrten benötigen,
aus der Notwendigkeit heraus, emotional unterdrückt sind,
um diese Gefahr zu umgehen.
Also schuf ich die "Welle"
als Resultat der Meuterei der Crew der Lima-Project,
weil ich nicht Tommy Lees Figur als Dämon darstellen wollte.
Ich wollte ihn nicht, wie Tommy Lee es nannte:
"Ich finde nicht wir sollten aus mir Ming, den Grausamen machen."
Was der Bösewicht in Flash Gordon ist.
Ein Comicbuch-Bösewicht. Aber er wollte lieber dimensional bleiben,
was ich absolut unterstützte.
Für uns ist das eine wunderbare Sache,
dass Leute mit guten Absichten manchmal fehlschlagen.
Und das ist auch, was Moby Dick so Wunderbarmacht.
Obwohl Ahab die Crew in den Tod führt...
Und sein Steuermann ist Starbuck,
und das ist eines der besten Dramas,
über die man kaum spricht, dass Starbuck
fast eine Meuterei bei Ahab anfängt
und es letztendlich doch besser weiß und es nicht tut.
Und damit ist der Tod als Schicksal der gesamten Besatzung besiegelt.
Alle von ihnen... Alle, außer Ismael natürlich, sterben.
Und die Idee hierbei war...
Sogar da ist Ahab seiner Mängel bewusst.
Ahab ist sich des Wahnsinns bewusst.
Ahab ist sich auch bewusst, was er für eine Verwüstung anrichten könnte.
Aber er kann sich nicht helfen.
Wenn man hingegen Werke von Ayn Rand liest,
wie Der Ewige Quell oder Atlas wirft die Welt ab,
besagen ihre Theorien, dass wir aus Eigennutz handeln.
Und ich widersetze mich eigentlich dieser Theorie.
Ich denke, Leute handeln aus was sie denken sei ihr Eigennutz,
was anders als tatsächlicher Eigennutz ist.
Und manchmal, wenn sie denken, es sei ihr Eigennutz,
ist es extrem schädlich, weil es an unsere Wünsche anknöpft
und verknüpft ist an unsere narzisstischsten Impulse.
Tommy Lee Jones' Figur wurde mit diesem Hintergrund geschaffen
und was das für Brads Figur bedeuten würde.
Brad hat nicht nur eine Reihe an Beschreibungen,
aber auch psychologische Evaluierungen,
die seine Geistesgesundheit über den Film hinweg aufzeigen.
Wir fanden, das war ein sehr ehrlicher und direkter Weg
ins Innere dieser Person.
Das Tollste an den meisten Filmen
ist die Nahaufnahme. Warum?
Weil der beste Sitzplatz im Theater
sechs Meter weit weg vom Schauspieler ist.
Man kann nicht näher an die Schauspieler heran,
man kann nicht wirklich intim sein mit ihnen.
Also sagten die Schauspieler auf der Bühne meist, was sie meinten.
Das mussten sie. Im Kino können die Schauspieler lügen.
Mit Hilfe der Kamera können wir sehen, wenn der Schauspieler lügt.
Es gibt also im Kino eine größere Vertrautheit.
Wir fanden es war subversiv,
die Schauspieler verletzlich zu zeigen und sie es sagen zu lassen...
Brad und ich fanden, nach außen hin verletzlich zu erscheinen
wäre eine eigene Form an Subversivität, weil er nicht log.
Er war nur dem Computer gegenüber ehrlich.
Konnte nicht ehrlich zu seinem Vater sein, der verließ ihn vor langer Zeit.
Konnte nicht ehrlich zu jemandem aus seiner Crew sein,
denen hätte er sich nicht öffnen können.
Konnte nicht ehrlich zu seiner Exfrau sein.
Die Beziehung ist kaputt. Er hat sie ruiniert.
Er konnte ehrlich zu einem Computersein. Da war er sicher.
Da konnte er verletzlich sein.
Der Filmschnitt wurde äußerst herausfordernd,
weil, wenn man einen Film hat, indem die Figur alleine ist
und das von Anfang an
und niemanden hat, auf den er sich beziehen kann,
entsteht daraus eine enorme Herausforderung der Erzählung.
Und daher
war der Filmschnitt geradlinig, im Sinne der Chronologie.
Das heißt, A führt zu B führt zu C führt zu D.
Wir haben nie mit Rückblenden gespielt,
die etwas länger gehen.
Auch nicht mit der Idee, das Ende in die Mitte zu setzen,
oder den Anfang ans Ende oder so etwas.
Jegliche Änderung in der Chronologie stellte sich als gering heraus.
Was nicht leicht war, war der Aspekt der Fokussierung.
Wie viel Fokus wir auf Brad legten,
wie viel Nahaufnahmen wir ihm gaben.
Wie viel wir wissen, wenn er der Erzähler ist.
Inwiefern die Erzählerstimme abweicht von seiner psychologischen Evaluierung
und wie viel die Evaluierung preisgeben würde, oder wie wenig.
Welcher Take wird genommen, weil viele Male
die Arbeit, die Brad und ich bei der Psychoanalyse machten,
sehr improvisiert war. Insbesondere die,
die er auf der Cepheus gab, nach der Attacke des Affen.
Zu Schneiden ist zu Wählen.
Und es ist eine Art des Umschreibens.
Man geht in den Schnittraum...
Und ich habe eine seltsame Eigenart dabei.
Wenn ich drehe, ist mir der Film sehr kostbar.
"Das ist wunderschön, das ist so wichtig für den Film."
Und wenn man dann in den Schnitt geht,
will man so wenig wie möglich davon verwenden wie es geht.
Das war immer mein Ansatz
und vielleicht ist er falsch, keine Ahnung,
es ist ein Prozess und er funktioniert für manche Leute
und für manche wiederum nicht. Das weiß man nie.
Mein Ansatz war immer:
"Was ist die möglichst kürzeste Fassung des Film, die ich machen kann,
"die all seine Komplexität rüberbringt?"
Der Film, den ich davor machte, ging zwei Stunden und 20 Minuten,
eigentlich zwei Stunden und 10 Minuten ohne dem Abspann.
Filme haben sich weiterentwickelt
in Bezug auf die Länge und das aus gutem Grund.
Mit anderen Worten, wir gehen ins Kino
und erwarten, dass der Film eineinhalb oder zwei Stunden lang sein wird...
Oder drei Stunden lang. Nehmen wir als Beispiel...
Ein Standardfilm geht, sagen wir,
eine Stunde und 45 Minuten, dazu noch 10 Minuten Abspann.
Also gut zwei Stunden. Zwei Stunden minus 10 Minuten für den Abspann.
Das ist ein klassischer Aufbau mit drei Akten.
Filme haben sich entwickelt und unsere Geduld hat sich entwickelt,
dass das nun unsere Standardlänge für Filme ist.
Aber dann gibt es dreistündige Filme und man fragt sich: "Warum das denn?"
Ja, es gibt wunderbare Filme, die ein Drei-Stunden-Format haben
und viele der großartigsten Filme aller Zeiten gehen drei Stunden lang.
Aber dann muss man die "Fünf-Akt-Struktur" verfolgen.
Das ist ein Unterschied beim Drehbuchschreiben.
Nicht, dass es jetzt zu technisch wird,
aber, wenn man zum Beispiel an Der Pate denkt,
welches ein brillantes Drehbuchwerk ist
von Francis Coppola und Mario Puzo,
entschieden sie sich, zwei eineinhalb Stunden Filme zu kombinieren,
einen über Marlon Brando und einen über AI Pacino,
zu einem dreistündigen Film. Es gibt also zwei Hauptfiguren.
Wir wissen, dass Francis Coppola und Mario Puzo das mit Absicht machten,
weil, als sie Der Pate II machten,
es wortwörtlich zwei Filme sind, einer über De Niro und einer über Pacino.
Das ist ein Drei-Stunden-Format.
In dem Zwei-Stunden-Format will man einen Film zusammenstellen,
der eineinhalb bis zwei Stunden lang ist
und nicht wirklich länger als das.
Und ich habe meinen letzten Film Die versunkene Stadt Z verurteilt...
Ich habe gesagt, dass es ein Problem der Struktur gibt,
weil mit einer Länge von zwei Stunden und 10 Minuten...
Ich bin sehr stolz auf den Film.
Aber seine Länge von zwei Stunden und 10 Minuten
war eine bewusste Form von Experimentieren von mir
mit der Drei-Akt-Struktur.
Und auf eine gewisse Weise sind es vier Akte.
Es sind drei Akte, drei Reisen in den Dschungel
und der vierte Akt ist seine Reise durch den Ersten Weltkrieg.
In diesem Film orientierte ich mich mehr an der Drei-Akt-Struktur.
Und dennoch hatten wir ein äußerst improvisiertes Schema,
als wir die psychologischen Evaluierungen machten.
Es war eine sehr experimentelle Struktur,
im Sinne, das die Figur niemanden hat, um eine Beziehung zu haben.
Er konnte sich nur an den Computer wenden
und direkt an uns.
Und das schuf diese enorme Herausforderung im Schnitt.
Gerade sah man die Reise zum Neptun, die viele verschiedene Formen annahm.
Die finale Gestaltung der Reise, die man hier sieht,
war eine Idee des Cutters Hank Corwin
bestehend aus einer Zusammenarbeit zwischen ihm und mir
und natürlich auch mit Brads Beitrag.
Man sieht einen Mann der im Grunde in Einzelhaft sitzt.
Es gab viele Diskussionen in letzter Zeit über die Einzelhaft
und ob sie als Form der Bestrafung zu grausam und ungewöhnlich sei,
vielleicht sogar schlimmer als die Todesstrafe.
In Einzelhaft zu sitzen
sei die schlimmste Form der Bestrafung für den Geist
und man fängt an, Stimmen wahrzunehmen,
man fängt an, sein Leben Revue passieren zu lassen.
Es soll zu einer absoluten Qual werden für jeden,
der das im Gefängnis durchmachen musste.
Wir fanden den Vergleich sehr naheliegend,
eine Reise zum Neptun zu machen, bei der er sich selbst überlassen ist
über mehrere Wochen hinweg.
Das ist die Art von Bestrafung, die sein Geist hinnehmen muss
auf seiner Reise zum Neptun.
Die Cutter, mit denen ich auch schon vorher gearbeitet hatte,
haben mir sehr bei der ersten Fassung des Film geholfen.
John Axelrad und Lee Haugen, zwei wirklich herausragende Cutter,
waren auch bei Die versunkene Stadt Z dabei.
Und mit John hatte ich auch einige Filme zusammen geschnitten.
Der Prozess lief eigentlich recht glatt, weil, wie gesagt,
es eine Herausforderung war, einen so verschlossenen Film zu machen.
Sie waren mir so behilflich, den Film zu ordnen,
aber ich auch die Hilfe von weiteren Cuttern gesucht,
um diese Form
der Heart-of-Darkness-Ansätze der Geschichte einzuzäunen.
Das ist interessant. Ich habe nie verstanden, wenn ich
Apocalypse Now oder so eine Art Film anschaue...
Und damit will ich keineswegs die Qualität der Filme vergleichen.
Das ist ein Meilenstein der Filmgeschichte.
Aber ich habe mich immer gefragt, warum es diese
Vielzahl an Leuten gab, um einen Film zu schneiden.
Wenn man einen Film macht, findet man das heraus,
weil man sich von dem Stolz über seine Idee losmachen muss.
Es ist eine Zusammenarbeit, einen Film zu machen.
Man macht es nicht alleine, man sitzt nicht alleine...
David Lean, zum Beispiel, hat seine eigenen Filme geschnitten,
aber er hat sich eine Vielzahl an Meinungen zu seinem Film eingeholt.
Und wenn er sagt "geschnitten", dann meint er,
er hat wirklich Hand angelegt und es geschnitten.
Das Filme machen ist ein gemeinschaftliches Arbeiten.
Die Aufgabe des Regisseurs ist nicht...
Er oder sie soll kein Alleinherrscher oder Diktator sein.
Seine oder ihre Aufgabe ist es, das maximale Talent aller Leute
herauszuholen, für seine oder ihre Verwendung.
Man nutzt die Ideen der Set-Designer
und man nimmt sich die besten daraus und die besten Ideen des Cutters
und die besten Ideen des Kameramanns und die Ideen der Schauspieler
und versucht daraus den besten Film zu machen. Denn letztendlich
lässt es dich besser aussehen, nicht im Sinne des Selbstgefühls,
sondern die Arbeit ist eine bessere.
Das Hauptproblem
oder Rätsel eines Filmregisseurs ist,
wie macht man einen Film,
der immer mehr Dinge aufnimmt und den Film viel größer werden lassen,
während man zeitgleich sicherstellt, dass man keine Ideen einbaut,
die der Idee im Weg stehen oder die Idee gar zerstören,
die man ursprünglich im Kopf hatte.
Das ist die große Herausforderung der Regie.
Der Filter zu sein.
Weil, wenn man 998 richtige Entscheidungen trifft von 1000,
aber zwei falsche Entscheidungen trifft,
können diese zwei Entscheidungen deinen Film kaputt machen.
Man schrieb eine schlechte Szene oder hat bei einer schlecht Regie geführt,
oder hat eine Rolle falsch besetzt...
Daher ist es, einen großartigen Film zu machen,
und nicht, dass ich das unbedingt wissen sollte...
Aber man kann sich vorstellen, dass einen großartigen Film zu machen,
eines der seltensten künstlerischen Bemühungen ist.
Wahrscheinlich gleicht es der, ein großartiges Musik-Album zu machen,
bei dem man kein Lied überspringen möchte.
Es gibt nur eine handvoll Alben, bei denen man das so ist.
Um im Fall des Films gab es viele viele Meisterwerke,
aber wenn man bedenkt, wie viele Filme gemacht wurden,
ist es eigentlich sehr entmutigend.
Die Herausforderung der Regie
geht über die Ideensammlung heraus.
Weil jeder Film dir entwischen wird.
Jeder Film ist wie ein wildes Pferd.
Also ist es im Grunde deine Aufgabe, dass das Pferd gut aussieht,
wenn es weg galoppiert. Will man es im Zaum halten,
wenn man dran zerrt und es kontrollieren will,
dann zerstört es dich.
In den 30er und 40er Jahren im Hollywood Studiosystem,
als man alles auf dem Studiogelände drehte,
gab es auch viele Nachdrehs, weil die Schauspieler unter Vertrag waren
und man konnte Cary Grant von Studio sechs holen
und Katharine Hepburn von Studio vier und ganz einfach Szenen nachdrehen.
Es war ein eher kontrolliertes Arbeitsumfeld.
Heutzutage, mit dem "Method-Acting" -Schauspielstil
und weil man vor Ort dreht, oder weil man in Mengen dreht,
oder in einer Greenbox, oder weil die Schauspieler von der Decke hängen,
ist es viel wahrscheinlicher, dass dir der Film entgleitet.
Wenn man sich die Filme von Alfred Hitchcock zum Beispiel ansieht,
der einer der größten,
wenn nicht der größte Regisseur der Filmgeschichte ist,
sobald er die Fähigkeit verlor, alles per Storyboard festzulegen
und es genau so zu drehen, wie es aufgezeichnet war,
litt die Arbeit darunter und es fühlte sich steif an.
So konnte er Vertigo machen und Das Fenster zum Hof,
aber als die "Method-Schauspieler" und das neue Hollywood kam,
in den späten 60ern und Anfang der 70er,
gab er uns Topas und Frenzy und Familiengrab,
welche, wie ich finde nicht so interessant sind
wie seine Werke aus den 50ern.
Aber das lag auch daran, dass er nicht so gut
mit den Schwierigkeiten fertig wurde, die man an einem echten Drehort hat.
Es wurde zu einer schwierigen Kunstform.
Ich hatte bereits die Sagen erwähnt.
Es ist sehr wichtig, dass...
Ich gebe zu, ich schulde sehr viel
der Geschichte von Conrad Heart of Darkness,
aber auch der griechischen Sage und Joseph Campbell.
Die Idee, dass Brads Figur ins Innere des Wals geht
und dass es eine Versöhnung mit dem Vatergeben wird.
Man sieht hier den Antimaterien- Beschleuniger, den Reaktor,
und die Wissenschaft dahinter ist etwas angreifbar, muss ich zugeben.
Wir haben es, so gut es ging, darauf basieren lassen,
was die Leute denken was in der Zukunft möglich wäre.
Aber wir wollten nicht bis zum Hals in Technologie stecken.
Und darum geht es in dem Film auch nicht.
Wenn man sich den Film ansieht, um herauszufinden,
wie ein Antimaterienbeschleuniger funktionieren würde
im All, dann ist das nicht der richtige Film.
Aber ich würde anfechten, dass das nicht der Sinn der Kunst ist.
"Kunst", wenn ich dieses dreckige Wort sagen darf.
Weil es darum geht, zu wissen, wer wir sind,
zu erfahren, wer wir sind, die Darstellung menschlichen Verhaltens.
Die akkurate Darbietung des menschlichen Verhalten.
Aufzeigen, was falsch ist in der Welt,
und das zu verstehen, damit wir eine bessere Verbindung zu uns aufbauen.
Das klingt ein bisschen wie Selbsthilfe
oder so ein psychologischer Quatsch,
so eine Art Psychotherapie. Aber es ist wahr.
Der Zweck... "Was wir dem Künstlerschulden",
wie George Elliot mal sagte, großartige Romanautorin, sie sagte:
"Was wir dem Künstlerschulden, ist die Verlängerung unsere Sympathien."
Was eine sehr kraftvolle... Ich habe es schon oft zitiert.
Was eine sehr kraftvolle Idee ist, weil sie besagt,
dass letztendlich
kreative Arbeit Entdeckungen
und Erforschungen sind und das Auseinandernehmen von Identitäten
und unserer Beziehungen zueinander.
Selbst in einem Film wie 2001: Odyssee im Weltraum,
den wir schon oft erwähnten,
ist es keine Erzählung über Menschen, es ist eine Erzählung der Götter.
Und als solche ist die Geschichte
mit dieser hier nicht zu vergleichen.
Selbst da bauen wir eine Beziehung zu HAL dem Computer auf.
Wir fühlen uns schlecht, wenn er abgeschaltet wird.
Wenn Keir Dullea den Computer ausschaltet ist das wie Mord.
Wir betrachten diese Dinge und wir verstehen sie
nur im Zusammenhang...
Selbst in diesem Film zum Beispiel, verstehen wir diese Dinge
nur im Zusammenhang, wir verstehen unsere Menschheit
und unsere Verbindung oder die fehlende Verbindung zueinander.
Hier muss Brad seinen Vaterkonfrontieren.
Und Tommy Lee sagt hier:
"Seit 30 Jahren atme ich diese Luft, esse dieses Essen
"und kein einziges Mal habe ich an Zuhause gedacht."
Wir wollten diese Szene...
Es ist die vorletzte Szene mit Vater und Sohn.
Und wir wollten, dass sie von fehlender Verbindung handelt,
aber dennoch hat Roy noch die Fähigkeit, zu lieben.
Und tief im Inneren des Vaters
ist das Bewusstsein über das Verlassen seines Sohnes.
An diesem Tag fand ich Tommy Lees und Brads Leistung wirklich wundervoll.
Ich war sehr nervös.
Man macht einen Film, in dem jemand zum Neptun reist,
um seinen Vater zu sehen,
da weiß man, es läuft alles auf diese Szene heraus.
Aber ich finde, sie beide haben das großartig gespielt.
Ich habe unendlich viel zu tun.
Wir wollten sie so in Szene setzen,
dass erst der Sohn aufschauen muss zu seinem Vater
und dann aufsteigt auf die Höhe seines Vaters,
was sinnbildlich für die Beziehung der beiden stehen soll.
Das ist auf deutlich greifbare Weise
der Wunsch, oder das Fehlen...
Der Wunsch nicht angefasst zu werden und das Fehlen von Kontaktbedarf,
ist eine klare Darstellung von schizoidem Verhalten,
dass der Vater weit in den Abgrund des Wahnsinns gefallen ist.
Diese Szene, die wir
sehr früh im Drehbuch hatten,
haben wir ursprünglich nicht gedreht.
Das war ein Nachdreh
und wurde von dem hervorragenden Kameramann Caleb Deschanel gemacht.
Als die Produktion anfing,
hatten wir wenig Zeit mit Tommy Lee Jones,
und man dachte, dass die Szene, die wir gerade gesehen haben,
ausreichend wäre.
Eine Unterhaltung zwischen Vater und Sohn,
in der er versucht, seinen Sohn anzuflehen, tiefer ins All zu fliegen,
würde uns nur Tommy Lees Figur weniger mögen lassen
und wäre so wahnsinnig,
dass es uns widerwärtig erscheint.
Diese Szene, in abgeänderter Form,
existierte
in einigen der ersten Fassungen des Drehbuchs,
aber wir wussten, dass wir das noch machen mussten, weil wir nie drehten,
wie Brad aus der Kapsel gelassen wird.
Das wurde dann einem zweiten Kamerateam aufgetragen.
Wir wussten immer, dass wir das noch mal drehen mussten,
und stellten diese Szene hinten an.
Und ich bin froh, dass wir das gemacht haben, weil...
Ich finde Tommy Lee unglaublich in dieser Szene.
Eine Mischung aus verrückt und verletzlich.
Und Brad muss sich natürlich
der Verletzlichkeit und Verrücktheit seines Vaters stellen,
und Brad ist hier auch fantastisch,
und wie es ihn mitnimmt, ist etwas, was man sich gut anschauen muss.
Du und ich zusammen, Roy.
Es war schwierig zu drehen,
wegen der Positionen der Schauspieler und wie die Kamera stehen muss,
damit es schwerelos wirkt und alles was damit zu tun hat.
Brad war in einem sehr ungemütlichen Hängegurt.
Ich glaube, ich habe nur vier Takes gemacht von seiner Nahaufnahme,
und nie habe ich die Kamera so hinbekommen, wie ich es wollte,
aufgrund des Sets und der Gurte und all dem.
Was ich also letztendlich...
Ich finde das recht gut und man sieht Brad gut,
aber was ich gewollt hätte, wäre etwas frontaler
und ein bisschen direkter auf ihn.
Aber daraus wurde nichts mit dem Set
und wie schwierig es dort war.
Ich wollte Brad auch nicht quälen
und ihn das fünf, sechs, sieben, 12, 15 Mal machen lassen,
weil ich wusste, wie ungemütlich diese Vorrichtung war.
Nach dem vierten Take hatte ich viel gutes Material
und ich fühlte mich schlecht, weil er da drin sein musste,
und sagte dann: "Lasst uns weitermachen."
Unter den Umständen, denke ich, ist er wunderbar.
Die Darstellung von Wahnsinn ist schwierig.
Warum?
Die Darstellung von Wahnsinn ist schwierig, weil...
Es ist so essenziell, dass wir die Figuren verstehen und lieben.
Das bedeutet nicht, dass jeder in einem Film
als nett oder gut dargestellt werden muss.
Es bedeutet... Es geht nicht darum, dass sie gemocht oder gehasst werden,
oder gemocht oder gehasst zu werden,
aber sind sie interessant genug, um uns mit einzubeziehen?
Und als kreative Kraft bei dem Film,
als Ko-Autor und Regisseur des Films,
erzähle ich, dass ich besser als Tommy Lee Jones bin?
Sage ich, dass ich besser als Brad bin, wenn die Crew umkommt?
Bin ich nicht.
Falls ich das sagen würde, müsste ich mich schämen. Wir haben alle Mängel.
Niemand ist perfekt.
Das ist der Grund, warum wir Dramas erforschen.
Das ist der Grund, warum wir diese Filme machen und die Stücke schreiben,
der Grund, warum wir Fernsehen machen.
Um die Seite von uns auszudrücken, mit der wir nicht zufrieden sind,
die uns verletzbar macht, die uns komplex macht,
die uns menschlich macht.
Wir können uns davon nicht distanzieren.
Wir müssen sie konfrontieren. Das ist unsere Wahrheit.
Der All-Spaziergang
war sehr schwierig und sehr merkwürdig zu drehen.
Wie man sich vorstellen kann,
gibt es kein: "Gehen wir auf die Neptunringe und drehen dort."
Was macht man also? Das ist alles im Studio,
die Schauspieler sind alle in diesen schmerzhaften Gurten.
Und das hier, wo der Schauspieler
abdreht an einem Seil, und Brad zieht...
das hat Brad selbst gemacht.
Es ist unangenehm und beängstigend und schwierig.
Man ist in einer riesigen Halle
mit einem komplizierten Kabelsystem
und ich...
Von all den Dingen, die ich in meiner Laufbahn gemacht habe...
Diese Einstellung hier zum Beispiel, ist komplett digital.
Das hätte man nicht real filmen können.
Aber viele von denen sind echt gedreht und der Hintergrund wurde ersetzt.
Aber von all den Dingen, die ich in meiner Laufbahn gemacht habe,
ist das ganz oben auf der Liste der schwierigsten Drehs
und das beinhaltet auch die Reisen in den Dschungel.
Die Beleuchtung wurde, wie ich finde, auch wundervoll gemacht
von dem Kameramann Hoyte Van Hoytema.
Ich sprach über Hoyte am Anfang des Audiokommentars
und jetzt wird es Zeit, seiner Arbeit Ankerkennung zu schenken.
Ich finde, seine Arbeit an dem Film
ist wirklich wunderschön und genauso magisch, wie ich erhoffte,
als wir uns zum ersten Mal trafen.
Wir beide wollten für den Film immer echte Lichtquellen verwenden.
Was bedeutet, dass nur sehr wenig zum Schluss verschönert werden muss.
So, dass immer Licht...
Das Licht müsste immer aus einer Richtung kommen,
die man erkennt oder versteht.
Hier ist etwas, wo wir ein Risiko eingingen.
Weil dieses blaue Licht absolut keinen Sinn macht.
Bei Neptun reden wir von einem Himmelskörper,
der viereinhalb Milliarden Kilometer von der Sonne entfernt ist.
Die Sonne erscheint von Neptun aus wie ein großer, heller Stern
und es gibt nur minimales
Umgebungslicht von der Sonne aus.
Mit anderen Worten, das hier würde bei kompletter Dunkelheit passieren.
Aber wie dreht man eine Szene bei kompletter Dunkelheit?
Man muss sich ein paar Freiheiten nehmen.
Also gab ich jedem eine Referenz,
die keinem irgendetwas sagte außer mir, wie sich herausstellte,
war das Schaufenster
im Museum für Naturkunde in New York City,
in dem ein Tintenfisch einen Wal attackiert.
Es gibt einen Film, der heißt Der Tintenfisch und der Wal.
Wundervoller Film von Noah Baumbach, der von ein paar Jahren erschien,
mit Jeff Daniels, der von diesem Schaubild handelt.
Ich hab es als Kind gesehen, und man sieht dieses blanke Bild
von einem Tintenfisch und einem Wal in diesem schaurigen, dunklen Bild.
Und das versuchte ich den Leuten zu erklären.
Es gab einen Hauch an Blau,
das war unsere Lichtquelle, um das ein bisschen zu rechtfertigen.
Ich schätze, was ich hätte tun können,
ist, zu sagen: "Okay, Hoyte, wir leuchten es so aus,
"dass das einzige Licht von der Lima-Project kommt", dem Raumschiff.
Die Station.
Aber dieses An und Aus, wäre sehr schwierig geworden
und es wäre dadurch fast schon künstlich geworden,
weil es eher
wie ein Suchscheinwerfer ausgesehen hätte.
Wir haben das auch getestet während der Haar- und Make-up-Proben,
bei dem man nur von dem Raumschiff beleuchtet wurde,
und es sah schrecklich aus.
Also war das eine Option,
oder sich etwas Freiheit zu nehmen und blaues Licht scheinen zu lassen,
und wir wählten Letzteres.
Im Nachhinein muss ich sagen,
bin ich froh, denn es sieht sehr toll aus.
Hier sieht er jetzt die Sonne,
die ungefähr so aussehen würde, vielleicht etwas größer,
aber ungefähr so von Neptun aus aussehen würde.
Wir drehten den Lichtschein etwas hoch.
Der wäre vermutlich nicht so stark.
Wie gesagt, er würde eher wie ein großer, heller Stern aussehen.
Aber für den dramatischen Effekt, dachte wir, es sei wichtig,
dass die Zuschauer verstehen, dass Brad sich an das Leben
auf der Erde erinnert
und seinen Wunsch zur Erde zurückzukehren.
Viele Leute kritisierten den Film Gravity
für die Freiheiten, die er sich nahm und dem Publikum vorsetzte,
in Bezug auf die Glaubwürdigkeit.
Und ich fand diese Kritik unglaublich unfair.
Man muss Entscheidungen treffen,
die für die Dramaturgie erklärbar sind,
und man kann nicht vollkommen authentisch bleiben.
Und wenn man das machen würde, wäre es unglaublich langweilig,
vielleicht sogar so langweilig wie...
Vielleicht findet man diesen Film langweilig.
Aber es wäre unmöglich
einen zweistündigen Film zu machen, der Dramaturgie hat
und komplett an den Realitäten der Situation festhält.
Es steht zu viel im Weg, wenn man eine konzentrierte Geschichte erzählt,
und das verlangt diese...
Das verlangt diese Art Experimentieren,
die man macht bei den wissenschaftlichen Fakten.
Mit dem Wissen
kann ich nun erklären, dass wie hier, durch die Ringe von Neptun zu fliegen,
genau solche Freiheiten sind.
Die Ringe sind in Wirklichkeit äußerst eng.
Die Dauer ist recht präzise getroffen.
Die Ringe sind ungefähr 15 Meter dick. Sie sind recht eng.
Aber wenn man diagonal drauf zu fliegt, wäre das ungefähr die Dauer,
wenn man von diesem Winkel ausgeht, den Brads Figur nimmt.
Die Ringe an sich, sind aus eher feinerem Staub.
Man sieht ein paar große Teile, aber wie gesagt, musste das so sein,
weil man schlecht einen Mann zeigen kann, der durch Staub fliegt.
Das sähe nach nichts aus, besonders wenn es so dunkel ist.
Es gibt aber auch
einige Teile in den Ringen,
die so groß sind wie diese hier.
Es sind nur nicht so viele, wie wir hier darstellen.
Soweit wir das beurteilen können.
Es gibt Fotoaufnahmen von Neptun, die die Voyager gemacht hat,
die jetzt unser Sonnensystem verlassen hat,
aber das sind die besten Informationen, die wir bisher haben.
Ich bin mir sicher, am Ende habe ich irgendwo etwas falsch gemacht,
aber sicherlich nicht mit Absicht.
Ich hatte bereits ja Joseph Campbell erwähnt
und sein Buch Der Heros in tausend Gestalten
über den Mythos des Helden.
Ein wundervolles Buch.
Falls ihr es noch nicht gelesen habt, es lohnt sich mal anzuschauen.
George Lucas bediente sich daran, bei seinen Star-Wars-Filmen
und Francis Coppola als er Apocalypse Now drehte
und Stanley Kubrick als er 2001 machte.
Viele Regisseure nahmen es als eine Art Vorlage her,
um eine Heldengeschichte zu erzählen.
Eine der Themen, die Campbell immer wieder diskutiert,
ist, wie er es nennt "der Segen".
"Den Segen zurückbringen."
Der Held kehrt mit etwas von großer Bedeutung zurück.
Und ich dachte, der Held müsste mit einem Segen zurückkehren.
In diesem Fall war es ein negativ belasteter Segen.
Der Segen war die Weisheit, dass wir wohl alleine sind
als intelligentes Wesen im Universum.
Das ist eine furchteinflößende Aussage.
Es beflügelt uns aber auch,
weil gesagt wird, dass wir etwas Besonderes sind.
Es könnte auch bedeuten, dass unsere Zeit auf der Erde begrenzt ist.
Das ein großer Filter,
eine Massenvernichtung der Spezies uns bevorsteht.
Es könnte aber auch bedeuten,
dass wir uns über diesen Filter hinweg weiterentwickelt haben,
wir sind über dem Punkt, an dem es Dinosaurier gab,
und dass unsere Spezies irgendwie überleben wird.
Ethan, mein Ko-Autor, und ich haben angestrebt,
einen Film zu machen, der aussagt, dass wir alleine im Universum sind,
was wir immer dachten, noch nie gemacht wurde.
Und wir dachten, das war...
Das perfekte Mittel, um eine Geschichte zu erzählen
über das emotionale Erwachen eines Mannes.
Es wird sehr detailliert besprochen,
was es bedeutet, im All zu sein.
Und dazu kann man wunderbare Videos auf YouTube sehen,
wie Chris Hadfield, der kanadische Astronaut,
auf der ISS spricht.
Es gibt einen Unterschied zwischen auf der ISS oder in einem Raumschiff
zu sein und die Erde unter einem zu sehen auf diese greifbare Art.
Es besteht ein Unterschied zwischen dem
und der Apollo 11 und 12 und 17 und 1 5...
Die Astronauten, die Männer, die auf dem Mond gelaufen sind,
und wie sie die Erde als winzigen Himmelskörper gesehen haben,
als nur einer von unendlichen Sternen und Planeten,
zwang sie zu einer neuen Begutachtung, fast einer Existenzkrise.
Was es bedeutet, Teil der menschlichen Rasse zu sein.
Man wird bemerken,
dass von den 12 Astronauten, die auf dem Mond gelandet sind,
fast alle eine Krise bekamen.
Neil Armstrong ging auf seine Farm in Lebanon in Ohio
und man hörte von ihm nicht mehr viel.
Buzz Aldrin sprach sehr offen über
seinen Kampf mit dem Alkohol und anderen Suchtmitteln.
Edgar Mitchell sprach von Aliens
und Charlie Duke wurde zu einem wiedergeborenen christlichen Pfarrer.
Es gab ein Bedürfnis
der Männer, die die Erde so gesehen hatten,
eine größere Bedeutung dem Ganzen geben zu können.
Eine wahre Existenzkrise, die sie durchmachen mussten.
Man kann sich also vorstellen, wie es wäre,
wenn man bis zum Neptun reist und was es mit unserer Psyche machen würde.
Roy benutzt hier eine nukleare Explosion als Antrieb.
Ist das authentisch? Ist das echt?
Nun, offensichtlich nicht echt. Ist es realistisch?
Ich weiß es nicht. Ist es glaubwürdig? Ja.
Menschen haben diese Art von Nuklearantrieb besprochen,
um höhere Geschwindigkeiten zu erzeugen.
Was man bedenken muss, ist, dass es keinen Luftwiederstand im All gibt.
Hat man einmal die Geschwindigkeit erreicht hat, bleibt sie für immer so
ohne das man nachhelfen muss.
Brads Rakete hätte natürlich eine Art Gegenrakete,
die das Raumschiff stoppen kann.
Wie man vorher im Film gesehen hat,
als sie die Vesta anfliegen bei der Affenattacke,
sieht man, wie die Cepheus umdreht,
rückwärts fliegt und die Düsen rückwärts lenkt.
Im echten Leben hätte sie das
lange bevor sie die Vesta erreichen machen müssen.
Aber wir wollten dennoch glaubwürdig bleiben
im Sinne, dass das Raumschiff umdrehen muss.
Seine Rückkehr auf die Erde war immer
als Zeichen der Entlastung gedacht und auch als Erwachen.
Eine Verwandlung und Erhabenheit von Roy.
Roy hat am Anfang des Films gesagt,
dass er immer Astronaut werden wollen würde.
Er wusste nicht einmal warum, es lag in seinem Blut.
Das Ziel hatte er verfolgt
und offensichtlich, wie wir herausfinden, wegen seines Vaters.
Ein unterbewusstes Bedürfnis, den Vater zu finden.
Aber jetzt, wo er zu Hause ist, zurück auf der Erde...
Wir hofften als Filmemacher,
dass der albtraumartige Teil des Films
jetzt vorbei ist und dass er nun mit der Erde wieder vereint ist,
im wörtlichen und bildlichen Sinn.
Wir haben viel hin- und her überlegt zu dieser Landung.
Es gab eine computeranimierte Einstellung der Landung,
aber ich fand sie nie gut genug.
Letztendlich blieben wir bei Roys Perspektive,
also im Inneren, wenn das Raumschiff landet und...
Man sieht hier, dass er einen recht großen Bart hat.
Ich war sehr unklar in Bezug darauf, wie lange es für ihn dauerte,
von hiernach da zu reisen. Im Film
dauert es 79 Tage bis zum Neptun.
Wie lange es für ihn dauert, zurückzukommen, bleibt offen,
je nachdem wie die Wissenschaft sein wird.
Ich mochte Brads Darstellung hier wirklich sehr.
Am Set
spielte ich die Musik von Edvard Grieg
aus dem Stück Peer Gynt.
Wir kennen die Stücke von Peer Gynt,
weil es darin eine sehr bekannte Melodie gibt,
die oft in Cartoons verwendet wird, wenn es Morgen ist und man aufwacht.
Das wird oft verwendet,
aber es gibt noch andere Stücke in Peer Gynt,
die sehr düster sind, sehr opernhaft, sehr episch.
Und Brad nutze es... Ich spielte es am Set vor.
Er nutze es auf so brillante Art, dass er Tränen in den Augen hatte
und zudem lächelte, was viel ausdrückte,
nämlich, dass er froh war zu Hause zu sein und erschöpft von der Mission.
Ich wollte, dass das Militär hier unscharf ist,
weil ich nicht denke, dass ihre Identität wichtig ist.
Alles, was zählte, dachte ich, ist das Wissen,
dass er zur Erde zurückkehrte und mit der Menschheit vereint ist.
Wenn man einen Film einer gewisser Größe macht...
Das war kein Film mit extrem hohem Budget.
Filme heutzutage,
zur Zeit dieser Aufnahme, Filme der großen Studios
kosten 200, 300 Millionen Dollar, 180 Millionen Dollar,
aber es ist auch kein kleines Budget, was 20 oder 30 Millionen wären.
Irgendwo in der Mitte und das machen sie nicht mehr so häufig.
Aber wenn man so einen Film macht, verlangt das...
Es ist ein Zusammenspiel aus Gemeinschaftsarbeit und Kompromiss.
Und meine eigene Wahl für das Ende
war immer, den Film mit dem Aussteigen aus der Kapsel enden zu lassen.
Und das hier wurde nach dem Drehbuch hinzugefügt.
Die Erhabenheit, die er jetzt hat,
sollte noch deutlicher dargestellt werden.
Versöhnt er sich mit ihr, mit seiner Exfrau?
Wir wissen es nicht, es wird nicht deutlich gesagt,
aber wir fügten das hinzu,
um noch deutlicher seine Erhabenheit
für das Publikum anzudeuten, denn ohne dem,
dachte man, versteht das Publikum
seine komplette Umwandlung nicht.
Also ist die Szene jetzt hier und ihr könnt selbst entscheiden.
Auf jeden Fall, sieht man Brads Gesichtsausdruck.
Brads Schauspiel ist wundervoll.
Senden.
Übersetzung: Johannes
ENDE